Unidade de Cuidados Intensivos

[Crítica] Arctic Monkeys - Suck it and See

2011-08-27T23:18:00.004+01:00

Esqueçam o acne desencadeado por hormonas sexuais pouco controladas, os riffs cantaroláveis, esqueçam até as capas capazes de ficar para a história e os títulos de disco bizarros - bem, aqui a coisa não mudou assim tanto, ao invés de um título sem fim como Whatever People Say That i am, That's What I'm Not, temos um provocante Suck it and See. Os Arctic Monkeys de hoje são não são os Arctic Monkeys de há cinco/seis anos. Constactação óbvia: há quem aprecie a mudança e há o outro lado da moeda, os que a renegam.

Muitos parecem já não se lembrar - os Arctic Monkeys mudaram, em 2006, a forma como viamos a música até essa altura. A banda de Alex Turner e companhia foi o primeiro bebé Myspace de sempre. Na altura, o Myspace era a maior rede social do mundo a seguir ao Hi5 - hoje estão as duas ligadas às máquinas. O mundo mudou, os Arctic Monkeys também.

Uma coisa é certa, os Monkeys não regressarão tão cedo à sonoridade de Whatever.... Talvez num eventual regresso às raízes, esse hábito tão comum (passe a redundância) no rock - caso esse dia chegue, arriscamos, os Arctic Monkeys já terão caído na mesma irrelevância artistica de uns Foo Fighters. As premissas de Humbug, claro, mantém-se para Suck it and See. A sonoridade (e a imagem) da banda de Sheffield está mais negra e mais condizente com os ares britânicos - convenhamos que em Inglaterra, mais do que noutro qualquer local do planeta, esta imagem acenta melhor que uma luva. A imagem dos Arctic Monkeys de 2011 é facilmente confundivel com a dos Black Rebel Motorcycle Club de 2001. Melhor: A imagem dos Arctic Monkeys de 2011 é facilmente confundível com a dos Jesus & Mary Chain de 1991 - chega a ser assustadoramente parecida no vídeo (e música) de "The Hellcat Spangled Shalalala". Também há reminiscências dos Queens of the Stone Age em "Brick by Brick" e "Don't Sit Down Cause i Moved Your Chair" e algumas influências country nas canções mais intropectivas. "Suck it and See" é entusiasmante até "All My Own Stants" - a partir daí, é como se as luzes baixassem e parece que, ao invés de uma banda, temos Turner a solo. O que é uma pena.

Não nos deixemos enganar, Whatever... é, provavelmente, o mais importante disco de rock desde Nevermind dos Nirvana - punks bem comportados, que raio? Um dos grandes problemas da música popular contemporânea é o de viver um passado que não volta em vez de um presente que se apresenta igualmente entusiasmante, embora diferente. Os Monkeys já não estão numa de ser os Beatles do século XXI. Suck it and See é isso, é, como disseram os próprios Monkeys ao Guardian, "mais preocupados em ser melhor, menos ralada em agradar os fãs da velha guarda".

7/10

[Reportagem] Editora Chifre - Festa de Apresentação - 22 de Julho - Musicbox

2011-07-31T16:30:00.002+01:00

É seguro referir que é único e incrível aquilo que está acontecer à música portuguesa e, acima de tudo, à música portuguesa cantada em português, nestes tempos que são os de hoje. Depois do abanão protagonizado pela FlorCaveira de B Fachada, João Coração, Tiago Guillul e Samuel Úria, parece que perdemos definitivamente a vergonha. E toda a gente quer fazer um bocadinho para participar e celebrar isto que é a música portuguesa cantada em português. Para todos os efeitos haverá sempre um antes e um depois da FlorCaveira – e isso, por mais que se odeie B Fachada ou outro qualquer cantautor da editora da capital, é inegável.

Todo um primeiro parágrafo para introduzir a Chifre que, aponte-se para mais tarde recordar, apresentou-se pela primeira vez, enquanto editora, no dia 22 de Julho, no Musicbox, com os artistas que preenchem, para já, o seu catálogo: Diego Armés, David Pires, Capitão Fausto e A Armada – tocaram nesta ordem, uma “noite em crescendo” como referiu, a certa altura um dos elementos dos Capitão Fausto. Em crescendo, sim, mas não nos referimos à qualidade, e sim a um progressivo endurecimento do som.

Primeiro Diego Armés, ele que é vocalista dos Feromona, mas que aqui se apresenta a solo, apenas na companhia de uma guitarra eléctrica. “Estou um pouco nervoso. Costumo tocar com outras pessoas e a maior parte de vocês não me está a ligar nenhuma”, desabafa com razão. Mas lá em baixo, no meio do público, estão alguns atentos, afectos à recém-nascida Chifre que não deixam Diego cair. De aspecto frágil e de baixa estatura, Diego chega a lembrar Cão da Morte, ou seja, Luís Gravito, na forma pouco fluente e estruturada como lidam com o público. Não é necessariamente mau – confere-lhes alguma piada. A música de Diego Armés faz lembrar os Feromona, mas sem secção rítmica – talvez porque associamos tão facilmente a voz do músico à sua banda.

Já David Pires faz-se acompanhar de uma banda – um guitarrista, um teclista (o dos Capitão Fausto), um baixista e um baterista. Ele, David Pires, baterista d’Os Pontos Negros e da Armada ocupa-se da guitarra acústica. Sentimos algumas harmonias em ascensão que aspiram aos céus e que nos lembram os Fleet Foxes. É folk ambiciosa e atenta ao pormenor, é rock celeste, mas não agreste. David Pires mostrou qualquer coisa, mas não mostrou tudo o que a sua conta no Myspace mostra que pode fazer. Ouvimo-lo na Internet e sentimo-nos inspirados, ouvimo-lo no Musicbox, na Festa de Apresentação da Chifre, e não nos sentimos mais que confortáveis. O melhor ainda está para vir, portanto.

Os Capitão Fausto cometeram a proeza de, finalmente, chamar a atenção de um público que parecia mais interessado em teorizar a história do que em fazê-la. Os Capitão Fausto são aquilo que os Iconoclasts queriam ser. São miúdos entusiasmados por estar em cima de um palco, mas que não querem imitar uma infinidade de outras bandas que estão na berra - ou, pelo menos, não são tão descarados. Os Capitão Fausto não se afastam dessa infinidade de outras bandas de origem anglo-saxónica que estão na berra, destacam-se porque são bons. Não são absurdamente bons, mas são bons. Há “na na na na na’s”, há “la la la la la’s”, há toda uma aura juvenil/infantil que envolve a banda e nos entusiasma sem que haja uma razão aparente senão a vontade de celebrar qualquer coisa, o momento.

A fechar a noite, uma Armada que conta com Pedro da Rosa (Os Golpes) e David Pires (ele, outra vez) como elementos mais mediáticos. “Nós somos A Armada e fazemos rock n’ roll”, anuncia Pedro da Rosa. O que se segue são riffs que podiam ter saído da guitarra de Angus Young, canções que vão dos Stones aos Clash passando pelo punk nacional e algumas expressões que denunciam esta geração que viveu a década de 90, a do grunge e do nu-metal (riscar este último). A banda refere-se ao público da frente, o do mosh, como sendo a “malta do hardcore”. A certa altura, Pedro da Rosa lança-se num salto suicida para o público num incrível stage diving – a calma que transparece n’Os Golpes ficou, definitivamente, lá fora.

A festa haveria de acabar com alguns elementos do Capitão Fausto em cima do palco, uma foto de família com o símbolo da Chifre, o \m/.

A ideia de estarmos perante uma editora que parte das sobras de outras duas desvanece-se rapidamente. Para já, a Chifre parece ser o elo mais fraco (ou menos forte) de uma trindade composta pela própria, pela FlorCaveira e pela Amor Fúria. Há uma imagem de família que já associávamos às outras duas e privilegia-se também a música cantada em português. Não sabemos o que nos dará o futuro, mas uma coisa já perdemos: a vergonha.

Texto originalmente publicado em www.ruadebaixo.com

Alive! 11 - A não perder #6: Iggy & The Stooges

2011-07-04T21:10:00.003+01:00

Este pode ser o último concerto de Iggy & The Stooges em Portugal, esta pode ser a derradeira digressão da banda de Raw Power. A morte do guitarrista Ron Asheton alertou-nos para uma inevitável consequência, a morte. Entretanto, aproveitemos enquanto Iggy Pop (64 anos) ainda tem cabelo e um tronco flácido, mas trabalhado. De calças de ganga e traseiro ligeiramente de fora, a velha iguana faz de cada concerto um verdadeiro motim, em que o objectivo é a celebração pela celebração.

O performer é secundado por uma banda, precursora do movimento punk e que influenciou e continua a influenciar uma data de bandas. O concerto/motim faz todo o sentido numa altura em que os gregos saem à rua. "I Wanna Be Your Dog" é perfeito numa altura em que se pedem sacrificios penosos a um povo sacrificado.

E, já referimos, temos Iggy, que em concerto é apenas ele a ser ele próprio, um jovem de quase 65 anos. A coisa deverá acabar, como é habitual, com dezenas de putos em cima de palco - porque um concerto de Iggy e dos seus Stooges é um tormento para qualquer empresa de seguranças.

Alive! 11 - A não perder #5: Os Golpes

2011-07-03T22:39:00.001+01:00

Não estão muito separadas pelo tempo as actuações de Xutos & Pontapés e Os Golpes. A primeira começa ainda na hora do jantar, a segunda tem início já a noite vai longa. Os veteranos sobem ao palco principal do evento, os "novatos" ocupam o Palco Super Bock. Esta introdução para constatar o seguinte: se tivéssemos escolher entre Xutos & Pontapés e Os Golpes, optaríamos pelos segundos.

E se o futuro, neste caso, supera o passado no que à criatividade diz respeito, não é por isso que Os Golpes negligenciam o que está para trás. Quando lançaram Cruz Vermelha sobre Fundo Branco, o excelente disco de estreia que para além das referências da capa, era uma vénia aos anos 80 portugueses em geral e aos Heróis do Mar, em particular. Se hoje os vemos como um OVNI nas galas de Natal das estações televisivas e rodeados pelo "jet set" nacional, a muito se deve o êxito, esse clássico instantâneo, "Vá Lá Senhora", com a participação de - quem mais? - Rui Pregal da Cunha (ex-Heróis do Mar). Quem diria?

Alive! 11 - A não perder #4: Primal Scream Presents: Screamadelica Live

2011-07-03T14:01:00.002+01:00

Há muito tempo a marcar passo no agreste terreno dos lançamentos discográficos, os Primal Scream não têm um grande disco para aí desde... Screamadelica. Não admira, pois, que a banda do carismático Bobby Gillespie repesque o clássico de 1991 e o leve estrada fora, agora nos festivais de verão. A acompanhar, e para que não falte nada, vem um coro gospel. O resto é o reconhecemos em Screamadelica - há soul e há rock e é música para dançar. No fundo, é o equilibrio que na altura lhe permitiu romper fronteiras - a malta do rock de mãos dadas com a malta do acid-house. Tudo a dançar noite fora. Em 1991 e, 20 anos depois, hoje numa tenda que se prevê à pinha.

Alive! 11 - A não perder #3: Crocodiles

2011-07-01T21:55:00.005+01:00

Em 2009, na altura em que o primeiro disco, Summer of Hate, foi editado, Brandon Welchez, o vocalista dos Crocodiles fisicamente assemelhava-se a Dylan, o da fase andrógina, mas sem a androginia. As comparações ficam-se por aí. Os Crocodiles passeiam-se mais pelo shoegaze dos Jesus & Mary Chain, seguindo as regras dos Black Rebel Motorcycle Club. Óculos escuros, tudo a preto e branco e as guitarras a distorcer, a distorcer.

Aos Crocodiles falta-lhes um grande disco. Têm grandes canções, "I Wanna Kill", "Mirrors" e "Hearts of Love" são excelentes exemplos, mas falta-lhes provar que são aquilo que parecem ser - bons.

Alive! 11 - A não perder #2: The Naked and Famous

2011-06-29T20:32:00.005+01:00

Os Naked and Famous estão para 2011 como os School of Seven Bells estavam para 2010. Aliás, os Naked and Famous já os Passion Pit de 2011. Melhor: os Naked and Famous são os Cut Copy da Nova-Zelândia - e a Austrália ali ao lado. Daqui a uns tempos podemos já nos ter esquecido deles, mas celebremos pois o presente da banda de Alisa Xayalith, Thom Powers e companhia. Nas canções em que as guitarras cantam mais alto, perdem-se, mas é em canções como "Punching in a Dream" E "Young Blood" que está o motivo de festa.

[Reportagem] Ryan Adams - 16 de Junho - Aula Magna

2011-06-28T14:09:00.002+01:00

Primeiro M. Ward, depois Sufjan Stevens e agora Ryan Adams. Os últimos meses foram generosos para fãs do country e da folk do início da última década. O único que terá mudado radicalmente - a um nível meramente musical - é Sufjan Stevens que também terá sido responsável pelo melhor dos três espectáculos.

O de Ryan Adams, no passado dia 16 de Junho, decorreu aos soluços - um ataque de soluços terá sido uma das poucas coisas que não lhe aconteceram durante o concerto -, o músico é distraído, trapalhão e desajeitado. Antes do espectáculo, para além dos folhetos distribuídos à entrada, ouvimos a mensagem em português e em inglês, a mensagem que apelava ao não uso o telemóvel durante o espectáculo. Mais: Ryan Adams, conhecido por um certo mau feitio que acabou por não se confirmar, recusou ser fotografado.

Com o espectáculo a meio chegou a desabafar: “não acredito que isto possa piorar”. Não estava a exagerar. Logo na primeira canção, a harmónica pregou-lhe umas quantas partidas. Ryan não foi meigo: bateu-lhe e gritou-lhe: “acorda!”. Curiosamente, a sua relação com a harmónica melhorou substancialmente até ao fim. Depois vem o humor (muitas vezes auto-depreciativo). No intervalo de duas canções, atira: “A actuação do Jesse Malin [o músico que assegurou a primeira parte] é como uma festa no quintal, a minha é como uma ida ao dentista”. Numa altura em que fazia algumas mudanças no palco: “Gostava de poder chamar um técnico de som, mas eu sou o técnico de som”.

Num concerto acústico e intimista, Ryan Adams, sozinho em palco, passeou-se pela sua discografia (já la vai uma década) que tem tanto de Bob Dylan como de Bruce Springsteen, fez uma versão de uma canção dos Cowboy Junkies e apresentou uma ou outra nova canção. Podemos não ter tanta fé no autor de “Gold” como tínhamos em 2001, mas Ryan não tem uma canção que justifique o seu desaparecimento – sim, chegou a ser equacionado.

Com a única guitarra que traz para a digressão, a guitarra com a qual escreveu quase todas as suas canções e que um dia será, com toda a certeza, vendida no eBay a peso de ouro, Ryan Adams deu um belo espectáculo, desligado da corrente, sem telemóveis, sem iPads e, mais importante, sem palavras em português. Os “Obrigados” foram “Thank yous” - até porque não é necessário converter uma plateia que já está convertida.

Publicado originalmente em Ruadebaixo.com

Alive! 11 - A não perder #1: James Blake

2011-06-26T15:49:00.004+01:00

Para quase todos é o dia de Coldplay, para nós é o dia da estreia de James Blake em Portugal. Não é que o disco nos tenha seduzido logo à primeira, mas é daqueles que cresce com o tempo. Pós-dubstep ou dubstep de câmara, Blake é o que lhe quiserem chamar. Geoff Barrow (Portishead) foi mais longe, "twittou" algo como: "Será que esta década vai ser lembrada como a década em que o dubtep se encontrou com os cantores pub?", numa clara provocação. E se os rótulos valem o que valem, os vídeos aqui em baixo não enganam - contra todas as expectativas, a música de James Blake sobrevive em festival e leva o dubstep às massas. Faça-se o silêncio, vamos ouvi-lo.

[Reportagem] Pop Dell'Arte - 9 de Junho - Musicbox

2011-06-25T14:03:00.002+01:00

Em 1987 ainda não tinha caído o muro, nem a União Soviética. Em 87 não tínhamos assistido à Guerra do Golfo e, claro, os 11 de Setembro e de Março não eram mais que os dias em que se celebrava, por exemplo, o Dia Mundial do Rim. Em 87, em Dezembro de 1987 foi editado “Freepop”, álbum de estreia dos Pop Dell’Arte e um dos mais importantes documentos da história da música portuguesa. Naquela altura ninguém soava como os Pop Dell’Arte, tal como hoje ninguém soa da forma como eles soaram na altura. Na ressaca pós-punk que rendeu nomes como os Heróis do Mar, os Mler Ife Dada ou os GNR, os Pop Dell’Arte destacavam-se de outrem - o som não respondia a convencionalismos e João Peste parecia mais um louco do que um cantor. O que separou a crítica na altura em que a banda de Peste explodiu é o que a une hoje, no ano da graça de 2011 - o som único, longe de tudo o que se fazia na altura.

É interessante verificar que alguns dos mais importantes discos dos finais das décadas de 80 e início de 90 vão hoje sendo recriados ao vivo - é assim com “Screamadelica” dos Primal Scream – vamos poder ver tudo em Algés -, é assim com “Doolitle” dos Pixies e é assim, agora, com os Pop Dell’Arte. A diferença estará no facto de os portugueses não darem azo a regressões. Celebrou-se o passado por uma noite.

Nesta oportunidade única que rendeu uma óptima casa ao Musicbox, em Lisboa, a banda sobe a palco com mais de uma hora de atraso. Já com toda a banda em palco, João Peste surge, de camisa e gravata vermelha, desajeitado, mas só até surgirem as primeiras palavras de «Berlioz» - aí, nessa altura, fecha os olhos, abre os braços e balança-se, é assim todo um espectáculo, umas vezes de pé, outras sentado. “Freepop” é tocado na íntegra – e é tudo o que o título nos faz crer que é, é pop livre, poliglota, estragada, longe de tudo o mais. Seria hoje um OVNI, tal como foi em 87.

O público, mais velho que o habitual, aproveita para matar saudades - no meio da plateia, já depois da apresentação integral de “Freepop”, alguém que só podia estar bastante alcoolizado insiste, “toca New Order, a «Bizarre Love Triangle». A verdade é que por mais que o Musicbox se assemelhe por uma só noite ao Hacienda, o clube de Manchester que nos anos 80 reunia a melhor música, as melhores bandas e a melhor droga da cidade, os Pop Dell’Arte não entram em facilitismos.

Já no encore final, em «My Funny Ana Lana», João Peste deixa, sem querer, que o microfone se desligue. Nesta altura, um indivíduo, talvez um amigo, talvez um fã, também com bastante álcool no sangue, sobe ao palco, abraça Peste e mantém-se em palco a dançar aquele que, porventura, foi o maior sucesso dos Pop Dell’Arte até hoje. Peste, tal como a banda, reagem como se nada fosse e saem progressivamente do palco - primeiro o “invasor” com a ajuda de um segurança, depois o líder da banda e por aí fora. Histórico.

Publicado originalmente em Ruadebaixo.com

[Reportagem] The Parkinsons - 4 de Junho - Caixa Operária

2011-06-18T18:28:00.001+01:00

Pouco interessará se a música é tão só a soma de três acordes dispostos de variadas formas. De nada interessará o facto de os Sex Pistols já terem “inventado” isto há mais de três décadas. Pouco interessará verificar que a Caixa Económica Operária está a meia casa para receber uma das mais entusiasmantes bandas do final da década de 1990 e início da que se lhe seguiu, a dos zeros. Interessará pouco que John Peel, porventura, o mais influente radialista de todos os tempos, tenha considerado os Parkinsons uma das mais entusiasmantes bandas do seu tempo e que estes tenham aberto espectáculos para gente como os Fall ou os Jon Spencer Blues Explosion.

Interessa antes perceber que os Parkinsons voltaram a subir a um palco, interessa perceber que Afonso Pinto voltou a ser banhado em cerveja, a fazer a espargata, a incitar a plateia e a ser levado em ombros. Interessa perceber que voltámos a presenciar o caos num concerto dos Parkinsons. As canções a sucederem-se umas atrás das outras sem tempo para descansar ou respirar. Algum mosh, algum crowd-surf, várias invasões de palco. Afonso Pinto e Vítor Torpedo a provocarem a plateia. O prefixo “feios, porcos e maus” assenta melhor aos Mata Ratos – donos e senhores de uma primeira parte em que estiveram iguais a si próprios -, mas também acaba por se associar facilmente a esta malta que tem nome de doença crónica e que ajudou a construir uma cena, a de Coimbra, que ainda hoje é recordada com saudade e nostalgia – passe a redundância.

No final, apenas uma questão nos aflige: Fará isto algum sentido hoje, num tempo que parece já não ser o deles? Os saudosistas dirão que sim. Outros irão torcer o nariz. À entrada ouvimos alguém dizer, enquanto tentava comprar bilhete: “Não me lixem, eu quero ver Parkinsons, quero um bilhete”. Antes do encore ouvimos: “Vocês já foram bons”. A escolha é sua.

Artigo publicado originalmente em www.ruadebaixo.com

[Crítica] PJ Harvey - Let England Shake

2011-06-15T21:49:00.005+01:00

PJ Harvey podia ter perdido a relevância - por mais podre que fosse a relevânica de PJ Harvey. Polly Jean podia ter perdido fãs - perdeu, concerteza, os que pouco ou nada interessavam. Let England Shake podia ter sido o canto do cisne (branco ou negro, tanto faz, tendo em conta o guarda roupa mais recente de Harvey) para a artista de Dry. Mas é o oposto, é aquilo que, acreditamos, Polly Jean já tinha procurado no antecessor White Chalk e é uma obra-prima. Arriscamos: dificilmente haverá neste ano da graça de 2011, um disco que nos atinja de forma tão arrebatadora como este, que nos desperte o mais variado tipo de emoções (tristeza, desespero, mágoa, ódio, esperança, etc).

Let England Shake espanca-nos do início ao fim, nós, ouvintes, levamos na tromba e, qual Mahatma Gandhi à rasca, damos a outra face e suplicamos por mais. É um disco político, de guerra, pessimista como os tempos que vivemos. "Let England Shake" é a visão pessimista de um soldado. Centra-se na Campanha de Gallipol, uma operação realizada no Império Otomano em plena I Guerra Mundial por franceses e britânicos - que pretendiam assegurar uma rota marítima para a Rússia. A operação falhou e, tal como hoje, arrastou-se pelo tempo (9 meses). É claro que intervenções no Afeganistão e Iraque não podem estar alheias a tudo isto. "I've seen and done things I want to forget / I've seen soldiers fall like lumps of meat / Blown and shot out beyond belief / Arms and legs were in the trees", dispara em "The Words that maketh murder" - PJ Harvey pode refutar a quantidade de vezes que achar necessário, mas não nos conseguirá convencer que isto não é um disco político. E ainda bem que o é - é isso que o torna ainda mais relevante hoje, numa altura em que a história já nos ensinou inúmeras vezes que o homem só tem alguma actividade cerebral "depois de esgotar todas as alternativas", já dizia Abba Eban há muito tempo atrás.

O facto de Harvey ter gravado numa igreja torna canções como, por exemplo, "On Battleship Hill" e "In the Dark Places" ainda maiores. Se em White Chalk a artista revelava graves dores de crescimento, uma enorme vontade de forçar a maturidade, em Let England Shake essa maturidade revela-se sem grande esforço.

Acompanhada pelos suspeitos do costume, John Parish e Mick Harvey, e por instrumentos que são uma novidade no universo de Polly Jean, como a citara e a auto-harpa (a Carter Family gostaria disto), a senhora que em tempos idos era uma menina de guitarradas sujas, fabricou aquele que é, provavelmente, o melhor "disco de guerra" de sempre.

Aos 40, PJ Harvey atingiu o topo, o cume de uma carreira que nunca como antes susciptou tantas expectativas. Independentemente de todos os elogios que lhe têm sido dirigidos, é provável que só daqui a uns anos venhamos a compreender a extensão deste trabalho de PJ Harvey. Uma obra-prima, um disco insuperável.

10/10

Playlist:

2011-06-08T19:49:00.006+01:00

Quando calha, uma Playlist, uma lista com as 10 melhores canções que nos passaram pelos ouvidos, durante as últimas semanas:

1 - Fool's Gold - Street Clothes

2 - DJ Shadow - I Gotta Rokk

3 - Arctic Monkeys - Brick By Brick

4 - Sun Airway - Wild Palms

5 - Jamie Woon - Lady Luck

6 - The Cults - You Know What I Mean

8 - Arcade Fire - Speaking in Tongues (feat. David Byrne)

Arcade Fire - Culture War by MergeRecords

9 - Justice - Civilization

10 - Kanye West - Mama's Boyfriend

Kanye West - Mamas Boyfriend-2dope by prolifik-1

[Reportagem] Twin Shadow - 25 de Maio - Lux

2011-06-08T19:43:00.002+01:00

Relativamente ao concerto de Twin Shadow no Lux, no passado dia 25 de Maio, tínhamos uma certeza – o som estaria melhor do que da última vez que lá tínhamos estado. A última visita ao Lux fora no dia 19 de Abril, dia de concerto de Best Coast. Concerto péssimo por várias razões, mas, resumindo muito bem a coisa, o som estava péssimo e, ao vivo, Beth Cosentino não canta um chavo.

Adiante. Twin Shadow é George Lewis Jr., um tipo que podia muito bem ser um actor de Bollywood mais charmoso que o normal. E é nesta altura, numa altura em que os Gayngs repescam clássicos mais ou menos pirosos, one hit wonders avulsos e fazem-se de pomposos românticos que recebemos um Twin Shadow que se atira de cabeça aos sons do passado, um passado em que conseguimos filtrar influências dos Smiths, Queen e David Bowie.

O disco, “Tyrant Destroyed”, foi criado durante o refúgio em Brooklyn (mais um). Antes, Shadow havia passado pela Suécia e é com admiração que lhe vemos sair, a meio do concerto algo como: “Não percebo porque é que os americanos vão todos para países como a Suécia e a Dinamarca. Portugal é bem melhor”. Caro George Lewis, os americanos nem sabem que existimos – para os mais letrados somos uma província espanhola. Agora estamos nas bocas do mundo pelas piores razões – infelizmente, talvez nos conheçam melhor agora.

“Tyrand Destroyed” foi tocado de uma ponta à outra – «Castles in the Snow» duas vezes, uma a meio, outra a fechar, mas não há material para encores. O espectáculo escapa-nos sem grandes problemas, mas também sem grandes sobressaltos. Percebe-se o burburinho, mas, ao vivo, falta qualquer coisa que nos faça chegar à conclusão que a quantidade de concertos do homem marcada para os próximos meses seja justificada. Em sala foi suficiente, mas como será em festival?

Texto publicado originalmente em www.ruadebaixo.com

[Reportagem] The National - 24 de Maio - Campo Pequeno

2011-06-01T14:15:00.001+01:00

O concerto no Campo Pequeno, em Lisboa, foi, depois do belo concerto no Super Bock Super Rock, a consagração nacional dos The National – acreditamos que esta ideia também se aplique à data do Porto. Sala completa – havia apenas meia dúzia de cadeiras disponíveis, naqueles lugares que não interessam -, o público ideal e a ressaca do segundo disco perfeito consecutivo. Os National são um fenómeno, mas, ao contrário do que muitos possam pensar, não um fenómeno exclusivamente português – é um fenómeno global. Passar de banda de culto, capaz de esgotar a Aula Magna, a banda de salas como o Campo Pequeno ou um Coliseu foi uma questão de cinco álbuns de estúdio.

Começaram com a perfeita «Start a War», uma das melhores canções de Matt Berninger e companhia. Um arranque suave, a testar um público devoto, ávido pelas canções belas, perfeitas e que até hoje acreditávamos que perdiam um “qualquer coisa” - que mal sabíamos explicar – ao vivo.

As premissas de grande parte das canções dos National são simples: a canção começa lenta para ir subindo de intensidade até atingir um clímax – guitarras épicas que aspiram o céu, uma secção de sopros incessante e um Matt Berninger que ora é um animal domesticado ora se torna num selvagem, principalmente nas canções dos álbuns pré-“Boxer”. Isto poderia ser a fórmula secreta para qualquer banda conquistar o apreço da crítica. Não o é pela simples razão de que cada banda/artista faz destas premissas aquilo que quer/pode. É quase como uma aula de Matemática na escola primária – nas contas safam-se os mais espertos. Os National sabem que dois mais dois são quatro e que esse número ao quadrado é 16. Tão simples quanto isto – são bons, são os melhores da turma. Mas se a coisa em disco resultava, ao vivo continuava a faltar qualquer coisa, voltamos a teimar.

Então, o que raio tornou este concerto tão diferente de tantos outros que os National foram dando, ao longo dos últimos anos, em Portugal?

São várias as razões. Um: O concerto foi em nome próprio, o que só não coloca de parte os concertos na Aula Magna e de Guimarães – curiosamente, dizem muitos, os dois melhores concertos antes desta dose dupla de Maio de 2011; Dois: Os National cresceram e com isso o espectáculo melhorou. O pano gigante, no qual são projectadas imagens da actuação, é uma magnífica adição ao concerto; Três: Matt Berninger, o desajeitado vocalista da banda de Ohio, está mais intenso do que nunca, como ficou comprovado nos incentivos no momento mais especial da noite, «Vanderlyle Crybaby Geeks» – já lá vamos.

Arriscamos isto – à excepção do concerto dos Arcade Fire na Meca do indie que é o Super Bock Super Rock, não vamos ter este ano outro concerto em que se sinta uma tão grande partilha entre público e banda. Começámos, já referimos, com «Start a War», espécie de aquecimento, para o que se seguiu. Seguimos por ali fora com «Anyone’s Ghost», «Secret Meeting» e «Bloodbuzz Ohio» – esta última a tornar o Campo Pequeno, pela primeira vez, numa só voz. Em «Squalor Victoria», Berninger dá os primeiros sinais de loucura mediada, que viria a confirmar, como é costume, em «Abel» e «Mr November» – nesta última não nos “braços de chefes de claque”, mas de fãs – todos eles número um, porque com os National a devoção é total. O melhor, claro, ficou guardado para o fim. Primeiro, antes do encore, «Fake Empire» – os gémeos Dessner nos (belos) coros, o baterista Bryan Devendorf – um dos melhores da sua geração - em alegre cavalgada, Berninger ao volante e o público ora deixando-se levar ora tentando-se sobrepor à voz da banda.

Dava para ainda tirar outro coelho da cartola? Dava, deu – os cinco desligam a amplificação e avançam para mais perto do público. Seguiu-se uma versão acústica de «Vanderlyle Crybaby Geeks», um momento mágico e todo ele de partilha entre banda e fãs – duvidem se o fã mais durão vos disser que não deixou verter uma única lágrima durante estes inesquecíveis três/quatro minutos. O concerto dos National foi mágico, no limite do absurdo, insuperável. Próximo passo: ser cabeça-de-cartaz de um festival português, aquele que fica a Sudoeste – sim, já ultrapassaram os Interpol.

Artigo originalmente publicado em www.ruadebaixo.com

[Reportagem] CCBeat - Diabo na Cruz + Linda Martini - 18 de Maio - Centro Cultural de Belém

2011-06-01T14:08:00.003+01:00

Calhou em sorte que no dia em que um tal de Harold Camping, engenheiro civil reformado de 89 anos, previu o fim do mundo (21 de Maio de 2011) - pela segunda vez na sua carreira como anunciante de “não acontecimentos” –, o rock português desse mostras de uma inegável vitalidade num bem composto Centro Cultural de Belém. Diabo na Cruz e Linda Martini, isto é, o presente do rock, isto é, as duas melhores bandas rock da actualidade, a par d’Os Golpes.

Primeiro o grupo de Jorge Cruz, João Gil, B Fachada, Bernardo Barata e João Pinheiro – agora também com Manuel Pinheiro na percussão. Os Diabo na Cruz são mais banda do que da última vez que os vimos. No Sudoeste, edição de 2010, quase montaram um arraial no palco secundário do festival da Zambujeira do Mar. A festa foi tal que, a certa altura, acreditámos que seria concerto para palco principal.

Sem grandes paragens (contámos uma, nessa altura o palco estava um caos), as canções do prometedor disco de estreia sucedem-se, alternando com as novas – todas óptimas. Os teclados marados e as guitarras ressuscitadas pelas bandas new-wave/pós-punk surgidas ao longo da última década de «Ai é Tão Lindo», a festa de bairro suburbano que é «Bom Tempo» – há muito tempo que não se via bom tempo ou há muito tempo que não se via tanta boa banda nacional a cantar em português e a fazê-lo com excelência -, e a canção da mulher moderna que é «D. Ligeirinha».

“Perdemos o jeito para tocar para gente tão sóbria”, desabafa Jorge Cruz, numa clara alusão às Queimas das Fitas. Apetece dizer: Entre uma Queima das Fitas e um bailarico de Verão no Portugal profundo, venha o Diabo e escolha. Vale aos Diabo na Cruz o facto de não se terem agarrado ao passado, algo que lhes confere a habilidade para tocar em qualquer sala de espectáculo e, principalmente, tocar para um público jovem que só agora, passados vários anos, descobre a tradição e, mais surpreendente ainda, estima-a. Porque os Diabo na Cruz podiam ser os Bloc Party cá do burgo. Ou melhor: os Diabo na Cruz poderiam ser os nossos Franz Ferdinand. Não são. São uma outra coisa, são a mais estimulante proposta no que diz respeito a “Roque Popular Português” surgida nos últimos muitos anos. Concerto curto, mas soberbo.

Difícil a tarefa dos Linda Martini - suceder ao concerto frenético dos autores de «Corridinho de Verão». Mas, enquanto a banda de Jorge Cruz e companhia apela a um imediatismo irresistível, os Linda Martini aspiram a proporcionar uma experiência bem mais sensorial com o seu público. Daí que a reacção seja menos eufórica ou efusiva, mas mais emotiva.

Ao contrário de “Olhos do Mongol”, “Casa Ocupada”, o mais recente disco da banda lisboeta, vai directo ao assunto. As canções são mais curtas, mais cantadas e menos dadas a divagações instrumentais. Liricamente, o segundo disco, continua a mostrar uns Linda Martini certeiros e perspicazes. Em «Nós os Outros», por exemplo, é, na sua ambiguidade, quase pornográfica: “Espero-te chegar / se me vier / Espero-te chegar…”. E, contra todas as expectativas, quão bem soa isto?

Todo este parágrafo anterior, porque os Linda Martini dedicaram os primeiros 15 a 20 minutos da actuação às canções do álbum de 2010, o mais recente. Depois vieram os (já) clássicos, «Dá-me a Tua Melhor Faca», «Amor Combate» ou «Quarto 210». Nestes temas, os Linda Martini aproximam-se mais do pós-rock e do rock progressivo.

“A que se segue não é uma tradução, é mesmo português, chama-se «Juventude Sónica»” - Isto são os Linda Martini a introduzirem uma canção, isto não é mais que os Linda Martini a rechaçar os rótulos colocados pela imprensa nacional e, em último caso, são os Linda Martini a atirarem a toalha ao chão e a concederem um: “Tomem lá a bicicleta”. Fica a dúvida: Honestidade ou pura provocação?

“Não temos muito jeito para encores. Estas duas eram para ser encore, vamos fingir que saímos e voltámos estilo Ninja”. Mais duas canções: «Lição de Voo Nº1», do primeiro disco, e «100 Metros Sereia», de “Casa Ocupada”. Nesta última, Hélio Morais convida a uma invasão pacífica de palco. No início há mosh e até paira uma ideia de descontrolo, mas, pouco depois, os miúdos parecem cordeirinhos, todos alinhados e a cantar repetidamente “Foder é perto de te amar, se eu não ficar perto”. E há lá coisa mais tocante?

Artigo originalmente publicado em www.ruadebaixo.com

[Óbito] Gil Scott-Heron (1949-2011) - Vídeografia

2011-05-29T22:20:00.002+01:00

"É um misto de Bob Dylan, John Lennon e Bob Marley... mas canta melhor que Bob Dylan". A frase é de Benjamin Zephaniah que, tal como Gil Scott-Heron, combina as suas capacidades como músico e poeta - as palavras são um elogio ao autor de I'm New Here, um dos melhores discos de 2010. Gil Scott-Heron faleceu na passada sexta-feira, dia 27 de Maio, e as causas ainda não terão sido reveladas. A afirmação de Zephaniah faz todo o sentido - o músico, poeta e escritor, era, aliás, conhecido por Bob Dylan negro. Só não era estudado nas escolas britânicas - mas devia.

Percurssor do rap ("The Revolution Won't be Televised" é mesmo considerada uma das melhores canções rap de todos os tempos (não é bem rap, mas já se vislumbram resquícios daquilo que viria a ser o rap)), Scott-Heron colocou-nos a coçar a nuca - os temas eram variados, o racismo (sempre citando Malcolm X), o desemprego, a ida do homem à lua, o Apartheid, a injustiça social.

Quando regressou aos palcos, depois de uma longa passagem pela prisão, brincou: "Para os que apostaram que não estaria aqui hoje, perderam". Numa altura em que ninguém apostaria, desapareceu para sempre. Se ele não sobreviveu, "quem sobreviverá à América"? Mais: Scott-Heron foi grande, "morreu", "ressuscitou" e voltou a morrer. Regressará para nos salvar?

Os factos estão um pouco por todo o lado, os vídeos estão aqui.

[Reportagem] Glasser + Drawlings - 21 de Maio - Musicbox

2011-05-27T23:53:00.003+01:00

Sexta-feira, 20 de Maio, de mulheres num Musicbox bem composto. O interesse recaia quase todo em Glasser, mas havia alguma curiosidade em ver como Drawlings aka Abby Portner, irmã de David Portner, ele dos essenciais Animal Collective, se “safaria” a solo.

Uma conversa paralela entre dois jovens: “Sabes quem é? É a irmã do [David Portner dos] Animal Collective”, ouvimos. Resposta: “Ah, então é por isso que ela é assim!”. E o que é isso de ser “assim”? É Drawlings a desenhar paisagens através de sons samplados que tanto podem ser os de um cavalo excitado como os sons de caixinha de música. O timbre da sua voz chega a lembrar Bjork, mas o tom é onírico e os efeitos utilizados são múltiplos. Cumpriu naquilo que era a sua função – abrir para Glasser (que também estava no meio do público).

Glasser é personagem misteriosa. O cabelo loiro (ou será ruivo?) e a pele excessivamente branca parecem denunciar ascendência nórdica. O concerto começa com «Apply», uma das canções mais fortes do disco. A norte-americana mexe-se de forma característica. Passados dois minutos, a canção sobe de intensidade, ele, o tipo que a acompanha ao vivo, o homem das máquinas, atira-se furiosamente à percussão e pensamos, “Muito bem, isto promete. Ainda agora começámos e já estamos assim?”. Tememos pelo espectáculo. Aguentar-se-á?

A música estabelece alguns paralelismos com as novas rainhas do gótico, Zola Jesus e, sobretudo, Fever Ray. Mas Glasser é uma outra coisa. A autora de “Ring” mantém o negrume e harmonias vocais dos seus pares, mas adiciona-lhes fortes influências orientais, o que lhe confere um som novo e genuíno. Ao vivo, ela é a voz – ele, o tipo que a acompanha, está encarregue de todo o resto. Há beats dançáveis, uma voz carregada de reverb e uma música que em disco soa bem e ao vivo ainda melhor.

Após uma intensa hora de espectáculo, o duo sai da sala. Espera-se um encore, mas Glasser volta sem companhia. “Já tocámos o disco todo, mas querem mais uma?”. Perante o “sim” da audiência, a artista desabafa: “esta é uma canção tradicional inglesa”. Cantou-a a capella e, numa única canção, demonstrou toda a flexibilidade da sua voz que chegámos a colocar em causa, a meio do espectáculo. O espectáculo? Aguentou-se, pois.

Artigo originalmente publicado em www.ruadebaixo.com

[Reportagem] Cass McCombs - 20 de Maio - Musicbox

2011-05-22T19:23:00.003+01:00

Há poucas semanas, a Galeria Zé dos Bois (ZdB) denunciou, em comunicado no Ípsilon, o suplemento cultural do jornal Público, que “ainda não recebeu uma única parcela do montante que lhe foi adjudicado para o presente ano, tendo sido obrigada a recorrer ao crédito e a prescindir de colaboradores essenciais”. É de louvar que a programação da ZdB, independentemente de todos os problemas por que instituição passa, devido aos cortes de apoio do estado, continue a ser tão interessante quanto ambiciosa. A ver vamos o que se segue nos próximos meses, sabendo que a situação não é fácil.

Desta feita, o concerto de Cass Mccombs do passado dia 19 de Maio dificilmente poderia ter corrido melhor, do ponto de vista do retorno financeiro: esgotado.

Acompanhado de uma banda – que revela um baixista que poderia ser um membro perdido dos ZZ Top - Cass Mccombs, personagem cativante e misteriosa, entra de boné e cabelo apanhado para começar com a fabulosa canção de abertura de “Wit’s End”, «County Line», canção em que discorre sobre o mais antigo dos temas, a dor de corno. As canções do mais recente disco, esse “Wit’s End”, o álbum que vem à ZdB apresentar, são canções longas, com mais de cinco minutos, mas são canções acessíveis e fáceis de adorar.

John Peel dizia que Mccombs era “discretamente brilhante”. Temos que concordar, o músico californiano não deixa que se saiba muito sobre si e raramente dá entrevistas. É um tipo recatado, mas afável. Nas horas livres é, como referiu John Peel, brilhante. “Maybe I’m Wrong / Maybe I’m Working for the Day”, desabafa na fantástica «Burried Alive» – e assim Mccombs resume toda a sua existência de forma subtil.

As canções são quase todas downtempo e descrevem ambientes melancólicos. No momento mais singular do espectáculo, as guitarras distorcem e somos presenteados com um grande riff que as Dum Dum Girls não recusariam. É rock n’ roll, mas não muito, que este tipo que, fala pela banda que o acompanha, não ingere álcool e (desconfiamos) renega as drogas.

Naquele que foi o maior problema da noite na ZdB, o calor, o norte-americano teve o condão de transformá-lo num momento mágico. Ao longo da actuação foi-se queixando do “muito calor”, pediu o “ar condicionado”, apelou à abertura das janelas e, por fim, já na última canção, em desespero, pediu que desligassem as luzes. “Desliguem tudo, temos as luzes de lá de fora”. E assim foi, um momento mágico que muitos recordarão por muito e muitos anos.

Texto publicado originalmente em www.ruadebaixo.com

Playlist da Semana:

2011-05-19T14:01:00.007+01:00

Todas as semanas, uma Playlist, uma lista com as 10 melhores canções que nos passaram pelos ouvidos, durante a semana:

1 - Gang Gang Dance - MindKilla

Se todas as canções forem deste calibre, Eye Contact é o disco do ano por 15-0. Vozes juvenis, sintetizadores loucos, coros que sobem alto, muito alto. No final uma sirene, claro sinal de fim de festa, de um caos que é tão perigoso quanto entusiasmante. Brilhante.

2 - Tyler, The Creator - Yonkers

Terapia nº 2 para Tyler, The Creator, o tipo que anda em tudo o que é capa de publicação dedicada à música. O disco pode não estar ao nível do seu ego/ambição, mas "Yonkers" é a prova de que este pode ser um ano enorme para o hip hop - regresso em disco de Sims of Doomtree e o regresso, depois da pena de prisão - de Lil Wayne.

3 - Smith Westerns - All Die Young

Conseguimos imaginar os Bee Gees ruídos de inveja perante o falsete de Cullen Omori.

4 - Pj Harvey - The Last Living Rose

PJ Harvey: obra-prima aos 40.

5 - Panda Bear - Tomboy

Panda Bear reinventa-se e evita o tombo.

6 - Fleet Foxes - Montezuma

Vozes e harmonias ao alto: os Fleet Foxes estão de volta, três anos depois da obra-prima homónima. Depois de ouvir estas 12 canções, a vontade é de agarrar na enxada e colocar este país a andar para a frente.

7 - Beastie Boys - Make Some Noise

Façam barulho para o regresso dos Beastie Boys em grande forma.

8 - Ty Segall - You Make The Sun Fry

É apenas mais uma (grande) canção rock - e nós gostamos.

9 - Beyoncé - Run the World (Girls)

Se o ritmo a que Beyoncé se lembra de fazer uma grande canção continuar com esta regularidade, daqui a 20 anos teremos direito a uma magnífica compilação. Samplar Major Lazer ajuda. Ela manda.

10 - Cass Mccombs - The Lonely Doll

Em semana de concerto na ZdB, "Lonely Doll" dos Cass Mccombs. Assim se adormece uma criança.

O World Press Photo está quase acabar - Nós já escolhemos a nossa favorita:

2011-05-16T21:16:00.005+01:00

Aprecem-se. O World Press Photo 2011 está a chegar ao fim (a exposição) e, se ainda não experimentou, vale a pena aproveitar os últimos dias. Raramente encontramos uma exibição tão constante. A verdade é que estas são as melhores entre as melhores. Num tempo com pouco tempo, os filtros são essenciais e, caso goste de música e não tenha paciência ou tempo para se deslocar a Belém, fique com esta foto. Se só tivéssemos que escolher uma, seria esta. Foi o que fizemos. É uma maravilha. É lindíssima. É transcendente. Se tudo correr bem, temos uma entrevista com o autor da foto em breve.

Legenda: Joséphine Nsimba Mpongo pratica violoncelo em Kinshasa, no Congo, em registro de Andrew McConnell, Irlanda, da Panos Pictures para a Der Spiegel. A foto é uma das 177 imagens que estão na mostra "World Press Photo 2011", que apresenta fotos jornalísticas premiadas em 2010 pelo mais importante concurso da categoria.

[Reportagem] Norberto Lobo - 11 de Abril - Teatro da Trindade

2011-05-16T21:01:00.003+01:00

Norberto Lobo parece ser daquele tipo de artista que é, na banalidade do dia-a-dia, um indivíduo tímido e desajeitado. Duvidamos do seu jeito para as miúdas – seja lá o que isso for de ter jeito para as miúdas. Norberto Lobo, ele que já vai no terceiro disco a solo, “Fala Mansa”, descobriu que tem um dom e potenciou-o. Num país que, confirma-se agora, está em recessão económica e em que se discute a sobrelotação de malta com habilitações literárias, Norberto Lobo descobriu o que o distinguia e rendeu-se à evidência: Nem todos podemos ser Políticos ou Engenheiros e, Deus nos livre, Lobo não se tornou nem numa coisa nem noutra. Evitou-se mais um Lobo Mau, ganhou-se um Lobo Bom.

O concerto que deu no Teatro da Trindade, o de apresentação de “Fala Mansa” no passado dia 11 de Maio, é o mais intimista possível. Ao fim da primeira canção ouvimos um sincero “Lindo”. Vem da cadeira ao lado, alguém convertido àquele contínuo dedilhar, aquele mestre explorador tantas vezes comparado a Carlos Paredes e a Jim O’Rourke que é Norberto Lobo.

A dificuldade de Norberto Lobo e deste tipo de espectáculo está em manter o mesmo nível de atenção do público, ao longo da totalidade do concerto. Lembramo-nos, por exemplo, da falta de paciência que temos para um Joe Satriani ao vivo. Daí que, a meio do espectáculo, Lobo explore territórios mais dignos dos Tigrala, projecto paralelo partilhado com Guilherme Canhão e Ian Carlo Mendoza.

Tanto virtuosismo poderia afastar Norberto Lobo das melodias. Não é o que acontece. Como em «Mudar de Bina» e «Pata Lenta», as melodias continuam a ser pormenor importante na equação. Tanto dedilhar cheio de virtude poderia também condenar aqueles silêncios a um momento castrador e de um vazio irrespirável. Pelo contrário, os silêncios servem para respirar, porque Lobo sabe dosear esse sobe e desce de tensão e intensidade que caracterizam os seus espectáculos. Nos momentos mais intensos parece que, exageremos, estamos perante uma orquestra. A guitarra – ao todo, seriam duas clássicas e um outro instrumento de cordas que parece e soa como um banjo - é só uma, mas parece duas ou três. A certa altura dá uso ao bottleneck numa guitarra personalizada e cheia de idiossincrasias. Cada vez que o mestre do fingerpicking termina uma canção, cada uma delas uma peça fundamental, uma contribuição fulcral para o legado da música portuguesa, ouvem-se aplausos, longos, de vários segundos, um irrefutável sinal de reverência. “Obrigado por terem vindo e não terem ido ver os Tindersticks”, diz ele. “Tu és melhor”, diz um fã. Resposta à altura.

Não nos deixemos enganar por este nome, este nome de protagonista de anúncios de marca de champôs. No nosso gabinete ou no Teatro da Trindade, Norberto Lobo é sempre e invariavelmente brilhante.

Dêem-lhe uma guitarra, a sério.

Texto Publicado em www.ruadebaixo.com

[Reportagem] Ursula Rucker - 5 de Maio - Musicbox

2011-05-14T11:40:00.003+01:00

Numa altura em que já se aquece/poupa para os grandes festivais de Verão – os cartazes estão praticamente fechados -, concertos como o de Ursula Rucker no Musicbox, no passado dia 5 de Maio, poderiam ressentir-se do grande investimento que o Verão exige a qualquer melómano que se preze. Não terá acontecido com Rucker que tinha à sua espera mais de meio Musicbox, para a receber, mais uma vez, de braços bem abertos.

Ursula Rucker faz parte de um restrito conjunto de músicos em que acreditamos quando nos dizem algo como “Esta é a minha casa. Não moro aqui, mas é como se morasse. Vocês são fantásticos”. Acreditamos porque existe uma genuína ligação entre a norte-americana e o público português – um dos primeiros a dar-lhe voz, literalmente. No ano passado vimo-la, sozinha, despida, num concerto que intitulámos “O Nu de Ursula Rucker”. Desta feita, Rucker veio vestida. Deixou a nudez para debate aceso noutras paragens (muçulmanas) e fez-se acompanhar de uma banda – baterista e guitarrista.

A entrada é gradual, primeiro o baterista, depois o guitarrista e, por fim, Ursula Rucker, toda ela estilo – chapéu, óculos escuros e roupa veraneante. Logo à primeira canção revela-se mais segura relativamente à anterior passagem nesta sala. “iphone, ipad, itunes, i am… here”, atira, sublinhando, mais uma vez, a sua posição relativamente ao tema “Internet versus Realidade”. Mas Ursula já vai revelando alguma abertura relativamente à Internet e às novas tecnologias. Em 2010 revelava não ter paciência para o Twitter. Em 2011 já tem página no Facebook e pergunta “onde está Maria?”, fruto de comunicação cibernética.

“She Said”, o novo disco, é o motivo principal deste espectáculo. A base é o spoken-word, mas o concerto é mais cantado do que falado. Trip-hop, reggae (spoken-reggae?), soul, blues, country, alguns apontamentos africanos - a América sulista, a Jamaica, Bristol e África, tudo parece caber no caldeirão da alemã.

Nos momentos memoráveis do concerto registámos uma canção que, no momento em que Ursula profere a frase mais lembrada do reggae, “one love!”, vemos vários casais abraçados. Mais: o registo acapella no final dessa mesma canção e «Fuck You», canção enorme em que um grande riff é acompanhado por “na na na’s” e por “fucks, muitos fucks”.

Mas Ursula Rucker não é apenas a (óptima) música que produz. Rucker conhece o poder das palavras e usa-as com mestria, dentro e fora das canções. “Por vezes questiono-me porque é que dou tanto numa canção. Só me apetece chorar!”, diz, a certa altura, emocionada. Numa outra situação, apresenta um poema escrito depois da catástrofe provocada pelo Furacão Katrina e o governo norte-americano. “Mesmo para as pessoas que achavam que o governo já estava todo “fodido”, foi um choque ver como esse mesmo governo deixou todas aquelas pessoas morrer”. Outra ainda: “Dizem que sou assustadora, não sou. Dizem que não sei escrever uma canção de amor. Pois aqui está uma canção de amor”. Todas estas tiradas, tão boas quanto sinceras, ajudam-nos a definir Ursula Rucker. Há mesmo algo de revolucionário em tudo isto quando a artista ergue o punho e repete “resist!”. E tudo isto é simbólico, numa altura em que os Homens da Luta estão na Alemanha a espalhar a sua mensagem de alegria, mas também de preocupação e Ursula Rucker vem da Alemanha, toda ela sorrisos, simpatia e alegria, espalhar a sua mensagem de luta neste Portugal que espera pelo bicho papão que é o FMI.

Em encore, “que seria feito de qualquer maneira”, somos presenteados com um mini instrumental com slide ao qual se segue «Supa Sista», o mais conhecido e celebrado tema de Rucker. O espectáculo acaba com o baterista a acelerar e o guitarrista a acompanhar num solo final. Quase perfeito.

Rapidinhas:

2011-05-01T17:55:00.002+01:00

Menomena - Mines

Mines é o quarto disco dos norte-americanos Menomena, mas, tendo em conta a anterior discografia da banda, poderia ser o primeiro. I Am the Fun Blame Monster!, o verdadeiro primeiro disco da banda de Portland, poderia ser o disco da fase em que se correm todos os riscos - isto se não fosse o primeiro álbum. Os Menomena escolheram um caminho, mas poderiam ter escolhido outro - e não é sempre assim? Começaram por ser um objecto estranho no início da década dos zeros, numa altura em que se bradava aos céus pelo ressuscitar do rock mais cru via Strokes e White Stripes. Chegam-nos hoje, mais ambiciosos que nunca, com coros, sopros, pormenores épicos, letras que contam bebedeiras e terramotos no Japão (premonição?) e títulos de canções que mais parecem pertencer a deuses gregos. E um grande disco.

8/10

Cold War Kids - Mine is Yours

Não sabemos se gostamos ou não da voz de Nathan Willett, sabemos sim que, ao terceiro disco, os Cold War Kids depararam-se com dois possíveis caminhos: 1 - fazer um disco alt-rock-indie-soul e continuar a levar pancada da crítica; 2 - Colocar em prática um plano que exigiria uma volta de, pelo menos, 90 graus na sonoridade e continuar a levar pancada, mas já no patamar de uns Kings of Leon. Está à vista que os "miúdos" escolheram a segunda opção e para isso recrutaram gente entendida no assunto, Jacquire King, o homem por trás da produção de Only By the Night dos Kings. Mine is Yours é, portanto, o disco mais ambicioso da californiana, sendo os primeiros temas claramente candidatos a hinos de estádio. Mine is Yours falha quando quer ser épico por ser épico. Aqui os Killers, ali os U2, acolá um piscar de olhos ao passado (em "Cold Toes on the Cold Floor", em que vão dos White Stripes aos Black Keys). Não é tão mau como uns dizem, nem tão bom quanto outros apregoam - e, sim, pode existir um meio-termo.

6/10

[Reportagem] Tim Hecker - 29 de Abril - Galeria Zé dos Bois

2011-04-30T18:02:00.002+01:00

Ao entrarmos na Galeria Zé dos Bois (ZdB), apenas cinco minutos após a hora marcada para o início do concerto – números quase insignificantes quando se trata de um concerto na ZdB -, deparamo-nos com um rapaz e uma rapariga que se queixam do facto do concerto “ter começado a horas”, quando “o costume é atrasar sempre”. Preso por ter cão e preso por não ter…

Tim Hecker, é ele o responsável por este espectáculo que nos chega a horas, vem de Montreal, Canadá, sendo dono de uma prolífica carreira que conta já com seis álbuns e inúmeros EPs, desde 2001, ano em que se estreou. A música passeia-se pela ambient, mas também toca o noise e o shoegaze – algumas camadas de som parecem indiciar a samplagem de guitarras em grande distorção.

Sem luz – uma dificuldade para quem escreve, uma impossibilidade para quem fotografa -, o espectáculo (?) destina-se a criar ambientes e paisagens, faz um apelo à mente, incita à viagem mental. A música reflecte o que passava lá fora – uma verdadeira tempestade tropical -, ora há granizo a potes, ora vem um raio de sol, ora troveja violentamente, ora…. Na música, na ZdB, também era assim: ora caem camadas de drone, ora surge uma acalmia efémera, ora vêm reverberações shoegaze, ora...

O final também surge mais rápido que o habitual. Soam palmas e Hecker apressa-se a sair das imediações de toda a sua parafernália electrónica. “Já?”, ouvimos.

Texto originalmente publicado em: http://www.ruadebaixo.com

[Crítica] Destroyer - Kaputt

2011-04-17T22:17:00.005+01:00

Se Dan Bejar fosse o próximo convidado a preencher o questionário que aparece na última página da Pública (sai aos Domingos com o jornal O Público), a resposta à questão "Com que idade percebeu que falou na vida?" seria: "38". Kaputt é resultado da mente de alguém que percebeu que andou todo este tempo enganado, que afinal não era nada disto que queria para a sua vida. Foi-se Dylan e foram-se os Stones, foi-se a folk e os blues e vieram as canções com títulos intermináveis. Abriram-se novos horizontes e perspectivas. Proporcionou-se um grande disco.

É como diz o título: Kaputt. A fórmula avariou, desgastou-se. Não que os discos fossem absurdamente maus - não eram -, mas estava ali, à mão de semear, uma oportunidade para soltar o génio interior de um músico que já era um grande liricista. Bay of Pigs, o ep, lançou o burburinho. Kaputt confirma-o. É um dos discos mais singulares do primeiro semestre de 2011. Temos uma feroz crítica à América em canções como "Savage Nith at the Opera", "Suicide Demo For Kara Walker" e a óbvia "Song For America". Temos também belas vozes femininas, letras que fariam um agente da PIDE sentir-se um idiota, influências jazz - a de música de Gil Evans e Miles Davis é assumida pelo próprio Bejar -, sopros, um solo de guitarra que nos apanha completamente fora de guarda na já citada "Savage Night at the Opera" e os anos 80 dos New Order.

Soa ainda a peça teatral, conseguimos ver Dan Bejar a escrever sozinho num quarto ou num escritório em animado monólogo interior (ou exterior), qual génio louco capaz de nos converter à sua saudável insanidade.

Ao nono disco, Destroyer divide os fãs, mas, sobretudo, angaria vários novos admiradores. Canções sobre olhos azuis e não só, Kaputt é material para balanço anual.

8/10

[Reportagem] Asian Dub Foundation - 29 de Março - Santiago Alquimista

2011-04-13T22:06:00.002+01:00

Os Asian Dub Foundation são uma daquelas bandas dos anos 90 que quando confirma um concerto em Portugal, muitos de nós questionamos: “Estes tipos ainda existem?”. Sim, existem e ao que parece o último disco data de 2008 – alguém se apercebeu? – e o próximo é editado no decorrer de 2011.

Santiago Alquimista, 28 de Março, sala a meio gás, mas público bastante entusiasta. Entram o tipo que controla toda a maquinaria e o percussionista, Prithpal Rajput, mas a plateia só percebe que o concerto está a começar, quando soam os primeiros sons samplados. Entra a guitarra, ouvem-se sons tribais, entra o baixo, ouvem-se guitarras wah-wah e nesta fase o homem da electrónica é o mestre-de-cerimónias. Por fim, entram em cena os dois vocalistas da banda, um de pronúncia jamaicana, o outro de ascendência oriental.

A sonoridade é um verdadeiro melting-pot em que o rock, hip hop, drum n’ bass, reggae, reggaeton e electrónica dão as mãos. A banda chama o público para “sentir a energia” e fazem-se valer disso para oferecer uma actuação triunfante. Ao nosso lado ouvimos falar de Need For Speed ou Fifa 2004 – convém referir que os grandes êxitos dos Asian Dub Foundation pertenceram a bandas sonoras de clássicos dos videojogos.

No Alquimista vimos de tudo: foliões, metaleiros, desajeitados, hipsters com a barba por fazer – todos eles, quando a banda dedica uma canção aos tunisinos, aos líbios e… aos portugueses, reagem como se estivessem todos no mesmo barco, de forma efusiva.

Problemas: Um: pareceu-nos, durante quase hora e meia, que estávamos a ouvir sempre a mesma canção; Dois: os Asian Dub Foundation poderiam fugir ao cliché que é o uso de palavras como “Revolution”, “Power” e “Light” - ideias fortes, mas que se perdem neste tipo de manifestação vazia em que o álcool fala mais alto que o coração, tornando-as inúteis; Três: afinal de contas, isto já não soa – se é que alguma soou – refrescante. Isso percebe-se nas canções mais celebradas, como, por exemplo, «Flyover», que é um hit de péssimo gosto e puramente adolescente que se destina a estimular hormonas.

Nada a apontar ao espectáculo que foi, afinal de contas, triunfante. Mas, no fundo, os Asian Dub Foundation fazem lembrar os carros do Need For Speed. Óptimos para acelerar um à noite, demasiado berrantes para passear durante o dia.

Uma última nota às garrafas de vidro de cerveja que vimos passear pela sala. Já vimos as coisas correrem mal, por muito menos.

Publicado em http://ruadebaixo.com

Fotografia: José Eduardo Real

[Reportagem] B Fachada - 3 de Abril - Teatro Maria Matos

2011-04-06T22:38:00.006+01:00

Deixemo-nos de tretas, B Fachada é o mais importante novo músico nacional dos últimos dez anos. Sem merdas: é capaz de dividir um mundo em dois, de um lado os detractores que odeiam mais o Bernardo Fachada do que a música do artista, B Fachada, do outro os apreciadores, público informado que ouviu mais do que o ep de estreia do mais importante novo músico nacional dos últimos dez anos. Nós, já devem ter reparado, encontramo-nos no grupo dos apreciadores. Até porque se colocássemos de parte um artista apenas porque é mal criado, feio ou porque tem os dentes podres e as unhas pintadas, nunca ligaríamos peva a Lou Reed ou a Tom Waits.

Primeiro foi Viola Braguesa, ep que só não passou ao lado dos mais atentos. Seguiu-se Um fim-de-semana no Pónei Dourado, o disco que divide. Por um lado os que dizem que “Zé” é “a única canção gira” (vamos lá, a sério?), do outro os que assumem que “Beijinhos” e “O Ciúme e a Vergonha” é que são as verdadeiras pérolas. Depois veio O Disco, que é nome, mas também é isso mesmo, “O disco” de B Fachada, a obra-prima. Este álbum, o segundo de B Fachada, não foi ouvido pelos detractores, os tais que acham que o “Zé” é que é. Com Há Festa na Moradia, Fachada regressou a um estética mais lo-fi – e aqui admite-se que afaste alguns. Com É p’ra meninos, disco simpático de canções infantis, B Fachada converte mais uns quantos à sua causa. Parece ser o disco que divide aquilo que já está dividido. Divide os detractores – de um lado os detractores que continuam a ser detractores, do outros os detractores que passam a ser apreciadores. Uma valente confusão. Chegamos assim ao Teatro Maria Matos.

Bernardo está cansado depois da sessão das quatro da tarde - as crianças, claro. A sessão da noite, para graúdos, é portanto a feijões. O concerto começa com canções dos discos anteriores como “Só te Falta Seres Mulher” (grande, grande canção), mas rapidamente se centra em É p’ra Meninos. “Barrigão”, com Lula Pena, é a primeira e, acreditem, não é só p’ra meninos, é p’ra toda a gente menos para aqueles que têm o coração sensível. Assombrosa. Também ouvimos as óptimas “Tó Zé”, “Dia de Natal” e “Conselhos de Avô”, mas é com “Estar à espera ou procurar”, do disco homónimo que o público volta a reagir de forma mais efusiva, mostrando que o novo álbum ainda não está bem assimilado. Ninguém se queixa, mas o músico faz questão de alertar: “Eu sei que podemos parecer amadores, mas não é isso. É apenas sem truques e sem magia”. A máquina ainda não funciona em pleno e o artista assume-o sem pudores – não é a isto que chamamos de modéstia?

Tal como B Fachada este texto e o seu escriba são capazes de dividir, ser aplaudidos e atacados. Sem problema – se conseguirmos que, pelo menos, um detractor se ponha a ouvir “O disco” com alguma dedicação, esmiúce a coisa e depois, aí sim, decida se isto é bom ou mau, o texto já valeu a pena. Dos detractores que conhecemos, só ouvimos argumentos como “B Fachada é um pseudo-intelectual com a mania”, ou que “é uma Fachada” – esta última é claramente uma piada fácil com que Bernardo já deveria estar a contar quando iniciou o projecto. Os argumentos não apontam para a música, apontam para a pessoa, a pessoa que incomoda e incomoda porque destoa. Afinal de contas, é tão cool gostar de Fachada como não é não gostar.

Publicado em www.ruadebaixo.com

O South By Southwest em vídeos #2

2011-03-29T22:43:00.004+01:00

Mais melhores momentos do South By Southwest. Por melhores momentos entendam-se as bandas que realmente interessam e com um mínimo de qualidade de imagem. Hoje vamos do "H" ao "S". James Blake, Memoryhouse (a tocar para crianças invisuais), Odd Future e Queens of the Stone Age.

James Blake

Memoryhouse

Odd Future

Queens of the Stone Age

[Reportagem] Glockenwise + Pega Monstro - 25 de Março - Musicbox

2011-03-29T14:20:00.005+01:00

Não estava no programa, mas vimos subir ao palco duas meninas que juntas formam um duo chamado Pega Monstro - os anos 90, outra vez - e que à imagem das Bellenden Ker que vimos no Offbeatz há alguma semanas, vão beber directamente ao movimento riot-grrrl dos finais dos anos 80 e início dos anos 90. Muito pouca coisa faz sentido nestas Pega Monstro. Nada contra o facto de não saberem mais do que três acordes - alguma da mais entusiasmante música do final da década de 70 (e não só) fundou bases nessa premissa. O que não faz sentido é que as Pega Monstro peguem nos ideais punk para criar uma outra coisa, uma coisa forçada, incoerente e, a certa altura, insuportável. Desabafos como "Estou bueda nervosa, estou a tremer" retiram qualquer tipo de credibilidade a um projecto puramente lúdico e nomes de canções como "Macaco" em que uma frase se repete várias vezes até ao fim, soam forçadas. Por fim, qual é o propósito de um grito digno de um filme de terror que sai da boca da vocalista já no final da actuação? O bom não pode ser mau, mas o mau pode ser bom. Não é o caso.

Com os Glockenwise a conversa é bem diferente. Vêm de Barcelos - cidade que já não é só o galo - e trazem um rock garageiro, com canções sobre miúdas e outras coisas. Na bagagem têm um muito recomendável ep que apresentaram na integra, no Musicbox. Muito suor, muita energia, muito e bom rock n' roll. À medida que a actuação avança, mais certezas temos de que estamos a assistir a um concerto histórico - não interessa se estão 40 pessoas no Musicbox, até porque como disse Tony Wilson em 24 Hour Party People, quanto menos público, mais história se faz, ainda para mais quando nesse público estão Nick Nicotine e Luís Gravito (Cão de Morte).

Houve mosh, crowd-surf e guitarras desafinadas: "perdi o transformador", diz o vocalista Nuno - não levamos a mal, faz parte e tempera o ambiente - aprendam Pega Monstro. Quase no fim, flusa, o baixista, que enverga uma t-shirt do Milhões de Festa, acaba a esfregar as mãos nas calçãs tão suado que estava. Acabaram à Beatles de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, a gritar "goodbye". A pequena plateia pedia mais. A resposta: "Não temos mais canções... só se repetirmos uma. Vamos repetir uma". Assim foi. Uma festa.

A foto não pertence ao concerto em questão

O South By Southwest em vídeos

2011-03-27T22:14:00.005+01:00

Hoje e nos próximos dias, vamos colocar neste blog alguns dos melhores momentos do South By Southwest. Por melhores momentos entendam-se as bandas que realmente interessam e com um mínimo de qualidade de imagem. Hoje vamos do "A" ao "G". Bright Eyes, Curren$y, o motim no concerto dos Death From Above 1979 - não se deixem enganar pelo título do vídeo, a banda não tem culpa - e Foo Fighters.

Bright Eyes

Curren$y

Death From Above 1979 - O motim

Foo Fighters

[Reportagem] Cut Copy - 23 de Março - Coliseu dos Recreios

2011-03-24T22:31:00.005Z

Tarefa difícil a de MAD.MAC – fazer no início aquilo que costuma acontecer no fim –, abrir para os Cut Copy com um DJ Set. Inteligente a forma como fez o rock independente dar o braço à electrónica mais hormonal. Ouvimos, por exemplo, os óptimos Franz Ferdinand e os menos bons Gossip algures no meio. Quando MAD.MAC terminou o set já se davam os últimos retoques nos instrumentos da grande atracção da noite.

Não foi necessário um grande intervalo de espera – uns incomuns 15 minutos, mais coisa menos coisa - para assistir à entrada em palco dos australianos Cut Copy. Eles que vêm do mesmo país que os AC/DC, Howling Bells, Wolfmother e Nick Cave, mas que são uma outra coisa. Eles que ao segundo disco, In Ghost Colours, já de 2008, representavam uma lufada de ar fresco quando cruzavam o rock e a electrónica de forma eficaz. Eles, os Cut Copy, tinham-se tornado naquilo que os Hot Chip sempre aspiraram e naquilo que os Killers gostariam de se ter tornado.

Vamos ao concerto – sala bem composta, plateia entusiasmada e com vontade de fazer aquilo que realmente importa num concerto dos Cut Copy (dançar) e uma banda determinada em participar na festa (dançar e fazer dançar). As guitarras ora são destorcidas, ora são gingonas, o baixo aponta directamente para a anca e as batidas são secas à New Order (a grande influência dos australianos). Mas isto não resultaria se não tivéssemos canções, canções como a extraordinária “Lights and Music” e o seu inesquecível baixo ou o excelente primeiro single do novo disco (Zonoscope), “Need You Now” que, claro, transpira New order por todos os poros. Mas o momento da noite estava guardado para a altura em que Dan Whitford, o vocalista, pergunta à plateia se esta estaria pronta para saltar e dançar. Ao sinal afirmativo do público, a electrónica que, até aí, tinha sido atinada e bem comportada, torna-se pesada e indisciplinada. Nada contra. Olhamos para o palco e somos ofuscados pela quantidade de luz que vem do mesmo, mas conseguimos perceber que Whitford está aos saltos, Tim Hoey a cuspir a água que acabou de meter levar à boca e, ao nosso lado, o público está todo aos saltos. Cai, por fim, “Hearts on Fire” e, claro, temos direito a novo momento de loucura generalizada, um dos últimos da noite.

Quem lá esteve diz que no Lux, há dois anos, é que foi. Nós não estivemos no Lux, mas, a avaliar pelo que vimos ontem, a noite em Santa Apolónia deve ter sido histórica.

A foto não pertence ao concerto em questão.

[Escuta] Soundcheck #08

2011-03-23T08:59:00.005Z

O Soundcheck é um programa com cerca de meia hora semanal em que se fala e se ouve o que vai passar por Portugal nos próximos dias. O nosso programa sobre os concertos, na Rádio Autónoma.

Soundcheck - 22 03 11 by Pedro Arnaut

Soundcheck #8:

Manowar - Funeral March

B Fachada - Conselhos de Avô

Megadeth - Hangar 18

Slayer - Angel of Death

B Fachada - Tó Zé

A semana:

2011-03-19T13:18:00.008Z

Depois de "Meyrin Fields", a faixa-título do anunciado ep dos Broken Bells - Danger Mouse + James Mercer (The Shins) -, a banda coloca à disposição "Windows", via NPR.

"Conversation 16", a melhor entre as melhores canções, de High Violet, o segundo disco dos National em absoluto estado de graça, já tem vídeo. É uma pequena desilusão e pode ser visto em baixo. Nunca mais é Maio!

The National

Nos vídeos, os Ponytail surgem com "Easy Peasy", um vídeo que surge da nossa perspectiva ocular, se usássemos óculos - atenção que uma coisa não implica necessariamente a outra. Por seu lado, os Menomena parodiam o Wrestling no vídeo de "Taos" e dão-nos uma certeza: os Led Zeppelin dançariam ao som destes tipos. Já "Apollo Throwdown", o novo vídeo The Go! Team, tem muito psicadelismo, malabarismo, formas geométricas, MC Ninja e sempre, sempre muita cor. Os Yuck investem numa imagem depressiva. "Get Away", o vídeo, tenta corresponder a essa imagem. De uma forma estranha, consegue-o. Por fim, Sims, rapper (mas muito mais que isso) responsável pelo menosprezado Light Out Paris, está de volta com Bad Time Zoo. "One Dimension Man" é o primeiro single. Regresso em grande forma? Pois claro.

The Go! Team - Apollo Thorowdown

Ponytail - Easy Peasy

Menomena - Taos

Yuck - Get Away

Sims - One Dimension Man

Os mestres do math-rock, esses mesmos, os Battles, têm nova canção. "Ice Cream" conta com colaboração vocal de Matias Aguayo e é óptimo pronuncio para o álbum que se avizinha - edição marcada para 7 de Junho.

Battles - Ice Cream (Feat. Matias Aguayo) by weallwantsome1

Mos Def sabe brincar com as palavras. O rapper fez uma premiere da canção "World Premiere" - produzida por Madlib - na televisão.

A propósito, descobrimos isto... é apenas um número: 05272011:

He Didn't Want A Love Song from just a number 05272011 on Vimeo.

Depois de um ep menos bom, Higher Than Stars, os The Pains of Being Pure at Heart regressam com novo lp. Belong já pode ser ouvido aqui em baixo. Ainda não o ouvimos com atenção, mas, em termos qualitativos, pelo que nos apercebemos, deve estar entre o magnífico disco de estreia e o já referido ep.

Regresso de Game na companhia do grande Lil Wayne. "Red Nation" é um regresso em grande forma do outrora protegido de Dr. Dre.

Mark Lanegan -ex-Screaming Trees/Queens of the Stone Age, autor de colaborações com Isobel Campbell e uma infinidade de outras coisas, entre as quais o seu excelente disco a solo, Bubblegum, que já data de 2004 - tem música nova. Chama-se "Burning Jacob's Ladder".

Apontamento nacional para o fim. Já vimos vários óptimos vídeo neste projecto audiovisual - que tem obviamente pernas para andar -, mas o vídeo que saiu durante esta última semana, com Noiserv é mesmo uma pequena maravilha. "Botempi", tocada numa qualquer varanda da nossa Lisboa. Fantástico.

NOISERV - "Bontempi" from Tiago Pereira on Vimeo.

2011-03-19T12:41:00.005Z

[Escuta] Soundcheck #7

2011-03-16T12:08:00.002Z

O Soundcheck é um programa com cerca de meia hora semanal em que se fala e se ouve o que vai passar por Portugal nos próximos dias. O nosso programa sobre os concertos, na Rádio Autónoma.

Soundcheck - 15_03_11 by Pedro Arnaut

Música:

Pink Floyd - "Another Brick in the Wall"

Cut Copy - "Feel the Love"

Cut Copy - "Lights & Music"

Glockenwise - "Go Song"

Pink Floyd - "Confortably Numb"

[Crítica] James Blake - James Blake

2011-03-14T23:44:00.003Z

Interessante a forma como o Dot Music começa por abordar o álbum de estreia de James Blake - depois de três eps que criaram um micro-fenómeno. Na mesma altura em que Mike Skinner - também já foi o maior, lembra-se? - diz adeus enquanto The Streets, Blake estreia-se com um disco homónimo em que a aclamação crítica e pública são unanimes. Ora, Skinner, no já longinquo ano 2002, apareceu vindo das ruas londrinas para criar uma nova linguagem à qual se convencionou chamar grime. Skinner enquanto The Streets era sinónimo de grime, era o primeiro nome que nos vinha à mente quando juntávamos as letras "G", "R", "I", "M" e "E". De Blake diz-se que pode estar a inagururar uma nova corrente estética - um pós-dubstep em que vozes manipuladas se fundem com os subgraves da linguagem londrina. Grime, Londres, dubstep, The Streets e James Blake - tudo certo.

James Blake, o disco, é composto por ecos, silêncios e um uso (e abuso) de efeitos vocais - auto-tune, reverb, vocoder, etc. É intenso, Blake mantém a voz sempre no limbo, voz essa que, diz o próprio que vai buscar influências a Joni Mitchell e Justin Vernon (mais conhecido por Bon Iver), mas que também assume semelhanças com o registo de Antony Hagarty (dos Antony and the Johnsons). De resto, a voz (ou a sua presença) é a grande novidade dos eps para o disco de estreia, um álbum orgânico e que pertence claramente a este tempo.

Entre as máquinas e o piano, James Blake, um puto de 22 anos, despe-se e coloca-se a jeito. Pós-dubstep? O tempo o dirá.

7/10

[Reportagem] Gogol Bordello - 6 de Março - Campo Pequeno

2011-03-13T13:37:00.005Z

Quando chegamos à Praça de Touros do Campo Pequeno, a festa já é rija – os Che Sudaka, a banda responsável pela primeira parte de mais uma visita dos Gogol Bordello a solo nacional – é já a sexta -, tem os ingredientes certos para animar esta plateia. Influências latinas – Argentina e Colômbia são os países de origem dos membros da banda que reside em Espanha -, reggae e punk numa amálgama que se torna por vezes dançável e perfeita para uma plateia que precisa de aquecer.

Quando os Che Sudaka saem de palco sentamo-nos ao lado de um casal que junto faz, com toda a certeza, mais de um século de vida. As habituais cervejarias ambulantes passam a toda a hora – entre outros comércios como o das queijadas e o dos gelados - e um dos vendedores pára para servir o referido casal, mas a imperial sai mal tirada, com espuma a mais. Não há que ter vergonha - até porque, relativamente à idade, temos Sergey Ryabtsev em palco, o violinista dos Gogol Bordello que dá o exemplo. Quanto à cerveja, atente-se a toda a banda – as notas ao lado, a pronúncia terrível de Eugene Hutz e as canções que só sobrevivem ao vivo. Neste caso não importa se a cerveja foi mal tirada – importa sim, o facto de estar ali, disponível, pronta a ser tomada com calma ou entusiasmo.

Longe vão os tempos em que a banda de Eugene Hutz se apresentou em Paredes de Coura num concerto louco, mítico e para sempre lembrar. Em Portugal, as salas continuam cheias para os receber – esta foi a segunda vez em nome próprio, no Campo Pequeno -, mas a coisa vai esmorecendo com o passar do tempo. Já não sentimos aquela sensação de que tudo pode acontecer, porque já vimos tudo isto ao vivo, várias vezes. Em nome próprio e em festivais, vários. Impressiona, isso sim, a forma como estes miúdos enchem as salas de espectáculo, dia sim, dia não. Tudo por um bom momento, um escape à rotina diária em que são lançados, um futuro sem perspectivas, o caos de um mundo que os leva a reverem-se nos Gogol Bordello. Eles sabem que estes tipos não são a melhor coisa do mundo todos os dias, mas são-no naquele momento em que entram em palco e lançam temas imediatamente reconhecíveis como «Ultimate», «Wonderlust King» ou «Start Wearing Purple».

Existem bandas para as quais o verdadeiro teste é o espectáculo ao vivo. Com os Gogol Bordello, as coisas ficam de pernas para o ar, o teste é em estúdio e fora dele são favas contadas. Aliás, na última década, afamaram-se estas trupes capazes de criar momentos incríveis em palco. Se os Arcade Fire vão direitos ao nosso coração, os Gogol Bordello são saltimbancos, tipos de ar cool, cada um mais carismático que o outro e alegres foliões que contagiam plateias por esse mundo fora.

Mas importa trazer de novo à tona o factor “novidade”. E Eugene Hutz e companhia bem tentam variar o espectáculo: Pedro Erazo (infelizmente) ganhou protagonismo na banda – acaba por ser uma dispensável extensão de Eugene, mas sem carisma -, a adição de alguns elementos electrónicos e algumas palavras ditas em português (?) - coisas não muito didácticas, talvez ensinadas pelos Che Sudaka, como “Puta qui pariu”, “Trazemos música fodido bebedo style” e “caralho”). Para o fã isto será mais que suficiente, para o ouvinte casual, que já viu os Gogol Bordello uma infinidade de vezes, isto fica um pouco aquém.

No início do encore, com o regresso da banda ao palco, parecia que tinha tudo começado outra vez – mosh, crowdsurf, perucas de Carnaval aos saltos – e, no fim, os membros dos Che Sudaka juntam-se à banda, ou seja, ficam 13 indivíduos em palco - sem azares. A fórmula começa a cansar, é verdade, mas, ainda assim, os Gogol Bordello continuam a ser uma das bandas mais entusiasmantes do mundo, ao vivo, e foram, sem dúvida, a mais convincente proposta para este Carnaval. Tivesse sido a primeira vez e teria sido fantástico.

Fotografia de José Eduardo Real

Texto originalmente publicado na Revista Online Rua de Baixo.

A semana:

2011-03-09T00:15:00.005Z

Por falta de tempo e poucas horas de sono acumuladas, decidimos inaugurar uma nova categoria neste blog, "A semana" - nem para mais imaginação temos tempo -, em que se fará um resumo do que de mais relevante se passou durante os últimos sete dias.

E quão agitada foi a semana dos Strokes? Uma nova canção, "You're So Right", um novo vídeo para "Under Cover of Darkness" e uma passagem pela televisão, no Saturday Night Live para apresentar uma outra nova canção: "Life Is Simple In The Moonlight" e o single "Under Cover of Darkness". É verdade que os Strokes já há muito sairam do campeonato das bandas independentes, mas, ainda assim, quão pouco "cool" é aparecer ao lado da menina Miley Cirus? Os vídeos/mp3 estão todos aqui em baixo:

"Under Cover of Darkness"

The Strokes Under Cover Of Darkness from STROKELALO on Vimeo.

"You're So Right":

"Under Cover of Darkness" no Saturday Night Live

"Life is Simple in the Moonlight" no Saturday Night Live

Danger Mouse não é tipo para se agarrar a um só projecto e, ainda que ande ocupado com o disco de estreia dos Rome (na companhia de Jack White e Norah Jones), faz o anúncio: vamos ter novo ep dos Broken Bells. No Myspace da banda já podemos ouvir "Meyrin Fields", uma das quatro canções.

Os Wu Lyf, que o site da FACT, versão portuguesa, confirma no Alive!, em Algés, anunciam que o álbum de estreia será editado no próximo dia 24 de Maio. Em baixo, o vídeo para "Split It Concrete Like The Colden Sun God":

De surpresa, tal como os Radiohead, surgiram os Arctic Monkeys. "Brick by Brick" é a muito recomendável nova canção do quarteto britânico que tem concerto marcado para o festival dos festivais deste Verão, o Super Bock Super Rock, que acontece entre o dia 14 e o dia 16 de Julho.

Lil Wayne está de volta e em grande forma. Finalmente fora da prisão e a trabalhar a sério - sem rock, guitarradas e urros escusados -, o rapper apresentou durante esta semana o vídeo para "6 Foot 7 Foot". Épico:

[Escuta] Soundcheck 06

2011-03-01T22:30:00.001Z

O Soundcheck é um programa com cerca de meia hora semanal em que se fala e se ouve o que vai passar por Portugal nos próximos dias. O nosso programa sobre os concertos. Sextas e sábados, às três da tarde e dez da noite, respectivamente, na Rádio Autónoma.

Soundcheck 01 03 11 by Pedro Arnaut

Deerhunter, Mountain Goats e Twilight Singers na televisão

2011-02-27T16:28:00.000Z

Os primeiros são autores de um dos melhores discos de 2010 - Halcyon Digest -, os segundos têm disco novo para mostrar em Março e os terceiros acabam de editar Dynamite Step. O novo dos Mountain Goats só chega no dia 29 de Março - All Eternals Deck é o título do disco. Na televisão, os primeiros apresentam um perfeito "Memory Boy", os segundos mostram "Birth of Serpents" e os últimos rockam ao som de "On the Corner".

Crocodiles no Alive e Sufjan Stevens nos Coliseus

2011-02-23T20:53:00.004Z

Ainda a procissão vai no adro, mas podemos avançar com algumas conclusões acerca do cartaz do evento de Algés: o Palco Super Bock está a ficar, pela primeira vez em cinco anos, bem superior ao Palco Optimus, o chamado principal. A Primal Scream, Grinderman e Anna Calvi juntam-se agora uns muito recomendáveis Crocodiles. Os norte-americanos actuam no mesmo dia em que a banda de Bobby Gillespie apresenta o clássico Screamadelica. Já Sufjan Stevens, artista camaleão, megalómano que um dia prometeu fazer um disco para cada um dos 50 estados norte-americanos, sobe ao palco dos Coliseus (Porto e Lisboa), nos dias 30 e 31 de Maio. O percurso é imaculado - dois discos perfeitos, Illnoise primeiro e The Age of Adz depois.

Em resposta ao comentário «Que bem se está no Porto!» de Rodrigo Affreixo publicado no suplemento Ípsilon, no Jornal Público

2011-02-19T15:42:00.003Z

Em resposta ao comentário «Que bem se está no Porto!» de Rodrigo Affreixo publicado no suplemento Ípsilon, do Jornal Público.

Não me incomoda o facto de Rodrigo Affreixo colocar o Porto como uma espécie de Meca cultural - o que contradiz aquilo que se tem dito nos últimos tempos acerca daquela que foi a Capital Europeia da Cultura, no longínquo ano de 2001. Incomoda-me sim, a falta de coerência e a falta de informação – esta última justificada no momento em que coloca, lado a lado, Lisboa e Porto, limitando-se à comparação fácil.

Relativamente à falta de coerência: Começa por referir que "se compararmos o que temos hoje no Porto com o que há em Lisboa, com 300 e tal quilómetros de distância entre as duas cidades, não nos podemos queixar muito...", para depois referir "O que nos falta mais? A Cinemateca Portuguesa. É uma das melhores do mundo e está sediada em Lisboa. Paciência, também tem de ficar alguma coisa na capital...". Então de um "não nos podemos queixar muito, o senhor Rodrigo Affreixo passou para um "também tem de ficar alguma coisa na capital..."? Por favor, alguma coerência senhor Rodrigo Affreixo.

Mas pior é quando o senhor Rodrigo Affreixo tenta comparar os espaços nocturnos existentes em Lisboa e no Porto. Para Rodrigo Affreixo o Porto tem o Hard Club, o Passos Manuel, o Becas, o Maus Hábitos, o Plano B, o Armazém do Chá, o Café do Lait, o Gare, o Pitch, o Trintaeum, o Industria, o Café Lusitano e o Zoom. Para Rodrigo Affreixo, Lisboa tem o Bairro Alto – que, atenção, nem é um espaço, no máximo será um espaço com vários espaços lá dentro - e o Lux. Lisboa nocturna, portanto, segundo Rodrigo Affreixo, resume-se ao Bairro Alto e o seu botellón e a uma discoteca.

Senhor Rodrigo Affreixo: posso-lhe referir que, só no dia em que lhe escrevo, Lisboa vai receber Kimi Djabaté no Musicbox - um clube com uma incrível variedade programática e que fica (não sei se conhece) no Cais do Sodré -, o trompetista Peter Evans na Galeria Zé dos Bois, no Bairro Alto - afinal não há só botellón - e Hercules & The Love Affair no seu preferido Lux. Mas há mais: vão estar novos projectos nacionais como os Mulherhomem e The Iconoclasts no Bacalhoeiro, um espaço normalmente dedicado a novos artistas nacionais e estiveram os Aveirenses The Underdogs no Lounge - também no Cais do Sodré.

Mas não nos fiquemos por aqui: apesar de, recentemente, termos assistido ao fecho de um dos mais importantes espaços lisboetas, o Cabaret Maxime, Lisboa tem ainda o Santiago Alquimista (mais dedicado ao rock mais alternativo), o Frágil (também no Bairro Alto do Botelhon), o Hot Club e o Onda Jazz (ambos mais dedicados à música improvisada), o Centro Cultural de Belém (quando há concertos), o Fórum Lisboa e, para espectáculos de maior envergadura, o Coliseu dos Recreios, a Aula Magna, a Praça de Touros do Campo Pequeno e o Pavilhão Atlântico. Para além de todos estes clubes e salas lisboetas, tenho a certeza que qualquer cidadão que viva a noite da capital me indicaria mais uns quantos espaços onde passar a noite como o Jamaica, o Transmission ou o Europa, só para nos ficarmos pelo Cais do Sodré.

Sugiro ao senhor Rodrigo Affreixo que, da próxima vez que queira engrandecer a noite do Porto às custas da de Lisboa, faça uma pequena pesquisa - até a wikipedia pode ajudar, mas sugiro algo mais fiável como a Timeout Lisboa, que há bem pouco tempo dedicou uma bela edição à noite lisboeta.

Novo disco de Sims (Of Doomtree) aqui e agora!

2011-02-17T22:08:00.002Z

Já é possível ouvir Bad Time Zoo, o sucessor do brilhante Lights Out Paris. Só o ouvimos por alto - análise mais detalhada daqui por uns dias -, mas a primeira audição (e quão importante é a primeira impressão?) deixa no ar a hipótese de este ser um dos discos mais fortes do ano. E este Sims corre o risco de se tornar ainda mais viciante que o videojogo.

Odd Future varrem tudo no "Jimmy Fallon"

2011-02-17T15:36:00.005Z

Não se fala de outra coisa. Os Odd Future fizeram a sua estreia televisiva no Jimmy Fallon e quiseram faze-la em grande. Surgiram de cara tapada, pularam, rapparam, invadiram o espaço destinado ao apresentador (Fallon ficou sem palavras) e acabaram a disparar frases para a câmara. Foi mesmo em grande. A canção, "Sandwitches", neste caso, é o menos importante.

Primal Scream também numa tenda e Elbow num palco a sério

2011-02-15T21:48:00.002Z

Vamos ouvir Screamadelica de uma ponta à outra no Alive! 11 Os Primal Scream sobem ao palco da Tenda Super Bock no dia 7 de Julho, o mesmo de Foo Fighters e Iggy Pop & Stooges. Das duas uma, ou este cartaz vai estar ao nível de um Glastonbury ou a coisa está a ficar mesmo preocupante no que diz respeito a palcos. Já o Super Bock Super Rock continua a filtrar o que de melhor vai ao Benicássim e confirma os Elbow - autores de um dos melhores discos de 2008, The Seldom Seen Kid - para o dia 16 (o dos Strokes), para o Palco Super Bock.

Novo álbum dos Radiohead daqui a cinco dias

2011-02-14T23:28:00.005Z

Apanharam-nos de surpresa, os sacanas! Os Radiohead de Thom Yorke e companhia anunciaram hoje, dia 14 de Fevereiro, um novo álbum. Mas não foi um anúncio normal - o oitavo disco dos britânicos chega, em formato digital, já daqui a cinco dias, Sábado, 19 de Fevereiro, dia da semana pouco comum no que diz respeito a edições. The King of Limbs é o nome do sucessor de In Rainbows e, dizem os Radiohead, é o primeiro "Newspaper Album" do mundo. De facto, a iniciativa nada tem de parecido com a de Prince, em 2003, quando editou Planet Earth com o tablóide "The Mail on Sunday". Para já, o disco pode ser encomendado online e, dizem os Radiohead, quem o fizer antes de Sábado, recebe o disco em formatos Mp3 e Wav - mas quem é que ainda acha que se não fizer esta pré-encomenda vai ficar privado dos Mp3 ou do Wav? A edição física está marcada para 9 de Maio e será composta por um CD, dois vinis e algumas imagens - tudo por 36€. Quem quiser ficar também com Wav (?!) terá que desembolsar mais 3€, ou seja 39€ e, caso queira apenas ouvir o disco por vias legais, o cliente - chamemos-lhe assim - tem que largar 7€ pela versão MP3 e 11€ pela versão Wav. Mais um passo na longa caminhada contra os métodos de edição mais tradicionais. Já tinhamos saudades. Mas que dia!

Arcade Fire levam o Grammy para "Álbum do ano"

2011-02-14T23:07:00.004Z

Os canadianos receberam o mais importante de todos os Grammy. Não se falou de outra coisa nesta Segunda-Feira, dia 14 de Fevereiro. Então, uma banda que é uma orquestra e que há meia-dúzia de anos era o segredo mais bem guardado do Canadá a deixar Eminem, Katy Perry e Lady Gaga - a propósito, de imprevisívelmente parola, passou a previsivelmente imprevisivel - lá atrás? E agora? Kanye West comenta: "Arcade fire!!!!!!!!!! There is hope!!! I feel like we all won when something like this happens! FUCKING AWESOME!", escreveu o rapper/produtor/génio no seu mais que célebre twitter. Os próprios Arcade Fire pareciam não acreditar e estavam visivelmente extasiados antes de se atirarem a "Ready to Start" e fecharem em grande a noite que os consagrou. "OH MY GOD OH MY GOD OH MY GOD OH MY GOD OH MY GOD OH MY GOD. Thank you EVERYONE", escreveram também eles na sua conta do twitter. "We're going to play another song because we like music", disse Win Butler logo depois de mostrarem uma explosiva "Month of May" - com truques de BMX à mistura - e receberem o mais importante de todos os Grammy. Ah! E repara-se na primeira reacção de Butler quando subiu a palco para receber o prémio: "What the Hell?", o que demonstra bem o que significam estes prémios para a indústria, uma espécie de Óscar, mas, neste caso, o motivo de chacota é a música. É por isso que a vitória dos Arcade Fire nos Grammys é especial. A coisa pode não voltar a repetir-se ou pode repetir-se daqui a muitos anos, mas, porra (!), os Arcade Fire ganharam o Grammy para "Álbum do ano" e isso é, meus caros, absolutamente formidável. Os vídeos das actuações podem ser vistos em baixo:

A Pitchfork tem o vídeo de "Month Of May"

[Crítica] The Decemberists - The King is Dead / Iron & Wine - Kiss Each Other Clean

2011-02-12T22:54:00.006Z

Folk pastoral, as unhas enterradas de terra, dois bons conjuntos de canções. Melhor Decemberists que Iron & Wine.

Não há nada de incrivelmente revolucionário num conservador disco folk, mas quando cada uma das canções vale por si - todas maravilhosas -, esse exercício pouco importa. Fossem todos inventar a roda e os meninos do New Musical Express (quem?) não escreveriam aberrações como "pig ugly and cynical exercise" para descrever o último dos Decemberists.

The King is Dead, o título, é uma óbvia referência a The Queen is Dead, o terceiro disco dos Smiths de Morrissey e Johnny Marr. Só o título já prometia, diziamos nós há um par ou dois de meses neste mesmo blog a propósito do sucessor de The Hazards of Love, essa ambiciosa ópera-rock (passe a redundância) que podia ter destruido os Decemberists. Completamente falso. Colin Meloy regressa as origens e convoca Gillian Welch, fulcral cantora folk dos últimos anos, e Peter Buck, o guitarrista dos R.E.M. que dispensa apresentações. Normalmente depois de discos como The Hazards of Love sucedem-se discos tão ou mais ambiciosos - ficando no mainstream, em que é mais comum isto acontecer, veja-se os exemplos dos Muse e Greenday. Mas não, o sexto disco dos Decemberists mergulha na Americana e sai-se muito bem. Steel guitar e harmónicas compõe um cenário pastoral e canções como "Don't Carry it All", "January Hymn", "Down by the Water" e "This is why we fight" são de uma beleza constragedora. Não se esperem grandes revelações, é apenas mais um (belo) disco dos Decemberists. Afinal de contas, o rei (The Hazards of Love) morreu e podemos brincar um bocadinho enquanto não se arranja um sucessor. Podemos ficar para sempre assim?

Também os Iron & Wine do barbudo Sam Beam operaram um revolução com o último The Shepherd's Dog - Beam decidiu finalmente gravar com uma banda e disse adeus às gravações mais lo-fi. Kiss Each Other Clean seria, portanto, o disco da afirmação. Ermhh...

Há de quase tudo no quarto álbum de originais da banda de Sam Beam. Há pequenos apontamentos de electróncias, frequentes harmonias, sopros, coros doo-hop, guitarras wah wah, algumas referências africanas (já presentes no antecessor) e - aqui sim, novidade! - alguns apontamentos jazzisticos. Nesta amalgama em que, apesar de tudo, soa melhor na prática do que na teoria, os Iron & Wine escapam vivos, mas não ilesos.

Oiça-se a essencial "Walking Far From Home".

The Kings is Dead - 7/10

Kiss Each Other Clean - 6/10

[Reportagem] Band of Horses - 7 de Fevereiro - Aula Magna

2011-02-12T14:12:00.005Z

Foram cinco anos de suores frios, cinco anos ansiedade e de espera transformados em expectativas que estavam lá no alto desde que o anúncio do primeiro concerto dos Band of Horses em Portugal foi feito, no último trimestre de 2010. É por isso - não só, mas também - que o concerto - que ainda para mais aconteceu no sitio certo, a Aula Magna -, desiludiu. Não chegou a explodir - ameaçou quando "Funeral" levantou a sala, mas não cumpriu a ameaça. Para isso o contribuiu um alinhamento - arrancou com canções menos mediáticas, adormecendo desta forma uma plateia cheia de vontade de se juntar à banda em hinos épicos como "Ode to LRC" ou "Is there a ghost", um público ávido por cantar em uníssono "No One's Gonna Love You". Foram cinco anos de espera porra! Era suposto ser especial e não foi.

Lá para o meio oferecem o primeiro single do último Infinite Arms, óptimo disco, óptima canção, cheia de belas harmonias e que nos chega a fazer lembrar os Black Keys do último Brothers. Lá atrás no projector eramos presenteados com paisagens naturais, rurais e pastorais como esta folk com ares de blues e quer busca inspiração nas raízes. Projectam uma imagem do Terreiro do Paço, uma surpresa a que o público responde de forma positiva. Uma surpresa tal como na entrada em palco, ao som de "Evening Kitchen", etéria, pura, apenas com Ben Bridwell e Bill Reynolds em palco.

É claro que "Funeral", "Ode to LCR", "Is there a ghost" e "No One's gonna love you" foram momentos de grande celebração. Mas não apagaram o que de banal e sem chama já tinha ficado para trás. Para os que só agora descobriram ou estão a descobrir terá sido um momento bem passado, para quem ficou cinco anos à espera disto, da estreia dos Band of Horses em Portugal, foi uma profunda desilusão. O problema é difícil de apontar. Banda esforçada e competente, público rendido e conhecedor, uma sala perfeita e lotada... tinha tudo para dar certo. Não deu.

Nota: Esta fotografia não corresponde ao concerto em questão.

Grinderman numa tenda em Algés

2011-02-12T13:58:00.003Z

Segunda boa confirmação para o Alive! 11 - a outra chama-se Iggy & Stooges... Ah! E parece que Dave Ghrol também vai andar por lá -, os Grinderman sobem ao Palco Super Bock, no dia 9 de Julho, o mesmo dos White Lies, esses putos que se limitam a fazer de monges copistas e citam toda a obra dos Joy Division, e que tocam no palco principal. O critério? Talvez lá mais para a frente o consigamos perceber. Para já fica um grande ponto de interrogação. De qualquer forma teremos a outra banda de Nick Cave e os seus inseparáveis Bad Seeds em estreia absoluta em Portugal. E isso vale por si.

[Reportagem] The Young Gods - 31 de Janeiro - Santiago Alquimista

2011-02-10T22:34:00.004Z

Segunda noite da mini-digressão protagonizada pelos Young Gods no nosso pequeno país. Segunda noite num Santiago Alquimista bem composto, ainda que não esgotado – como aconteceu na noite anterior. Há quem se queixe, mas a culpa não parece ser da maior banda que a Suíça alguma vez pariu - “20 euros por esta sala?”, ouvimos, ainda antes do trio - que, em palco, se transforma em quarteto durante grande parte do tempo – fazer-se ouvir através dos primeiros sons electrónicos que marcam o ritmo de «Everybody Knows», canção do homónimo último disco. Resta referir que este público, o dos suíços Young Gods, é um público adulto que conhece a história do rock industrial de uma ponta à outra, dos Throbbing Gristle aos Nine Inch Nails.

À segunda canção da noite a percussão endurece e os sons electrónicos escurecem. À terceira entra a guitarra eléctrica e o ritmo é mais vivo e dançável – há pandeireta e solo de guitarra. Logo depois já nos esquecemos do local onde nos tínhamos encontro marcado com estes suíços. Somos teletransportados para cenários do livro da Bíblia de São João, incineradoras localizadas em cenários desoladores e locais em que sons maquinais (de locomotivas movidas a droga e não a carvão) como os que ouvimos fazem sentido.

Pausa em «Mister Sunshine» para trocar a garrafa de oxigénio – o ar aqui é irrespirável – com falsete de Franz Treichler. Depois volta à carga – Treichler pega no microfone e aponta a luz para o público enquanto grita sucessivamente “And the winner is…” e transforma este num dos momentos mais intensos do concerto. Não obtemos resposta, mas ainda assim o público responde – os corpos balançam e dançam sincronizadamente. Perto do encore assistimos a cargas de distorção e feedback entre outros sons psicadélicos. E já que mencionamos algum psicadelismo, há nesta altura meia dúzia de elementos na plateia mais preocupados em dar umas boas gargalhadas na sequência de frases como “Os Rolling Stones não cabiam aqui dentro”, como se tivesse descoberto a teoria da relatividade.

Os 25 anos de carreira fazem-se sentir a um nível meramente físico: vislumbramos cabelos brancos e as inevitáveis rugas. Em todo o resto continuam os mesmos de sempre – quase duas horas entre o pós-industrial mais violento e momentos mais introspectivos e até acústicos com pinceladas psicadélicas aqui e ali. O jogo de luzes é importante, tudo conta para tornar o ambiente mais soturno, há que dar uma credibilidade visual àquilo que os ouvidos assimilam. Há algo de apocalíptico em tudo isto, as palavras de ordem parecem-nos carregadas de raiva, experimentamos ambientes tensos, estranhos e desconfortáveis. Subimos e descemos de intensidade, qual elevador emocional que tanto nos entusiasma como nos conforta.

No encore, temos direito a todas a canções que queríamos ouvir: «Gasoline Man», «Skinflowers» e «Kissing the Sun» à cabeça – esta última, a ter direito à maior ovação da noite e a um pequeno mosh. Pensávamos nós que este seria o fim, apoteótico como mandam as regras. Mas não, a banda anuncia que, a fim de evitar uma saída de palco para segundo encore, prefere dar já a última canção da noite que acaba por ser três.

Imediatamente antes do final, um indivíduo fixa o olhar na planta de emergência – acto inteligente, porque isto num concerto dos Young Gods nunca se sabe se e quando é que o recinto vai arder.

Texto originalmente publicado em www.ruadebaixo.com

Fotografia: José Eduardo Real

Beth Cosentino... ups...Best Coast no Lux em Abril

2011-02-08T01:06:00.003Z

Uma coisa é certa: dificilmente o concerto dos Best Coast de Beth Cosentino superará o dos Wavves do namorado Nathan Williams no Super Bock em Stock. Ainda assim não faltam razões para marcar desde já um "xis" no calendário - dia 19 de Abril. Falta o local: Lux, Santa Apolónia. Se ainda não ouviram Crazy For You, oiçam-no, mas oiçam-no com urgência. É a mais bonita interminável birra dos últimos tempos.

Black Bombaim na Videoteca do Bodyspace

2011-02-04T16:34:00.003Z

Os Black Bombaim, power-trio que faz do pós-rock óbvia bandeira e que vem de uma cidade que já não exporta apenas galos e está quase na moda (Barcelos), gravaram para a Videoteca do Bodyspace. Quase dez minutos de virtuosismo e improvisação (?), em cima de um barco (o Porto Rio), com restos de pescaria e o Rio Douro como pano de fundo.

National apresentam novo single no Letterman

2011-02-03T02:03:00.004Z

Os National voltaram à televisão norte-americana para apresentar o novo single, "Conversation 16", um dos melhores (e mais arrojados) momentos de High Violet. A coisa deu-se no Late Show with David Letterman. A Pitchfork acrescenta ainda que o homem do orgão parece ser Ricard Reed Parry dos Arcade Fire. Nós acreditamos, até porque os National gostam de partilhar os holofotes com amigos e parceiros musicais. Caso de, por exemplo, Sufjan Stevens, ainda em 2010.

Arcade Fire confirmados no Super Bock Super Rock

2011-02-02T02:06:00.003Z

A vida são dois dias, o Super Bock Super Rock são três que, com toda a certeza, valerão por uma vida inteira. Depois de confirmações de Strokes, Arctic Monkeys e Portishead, ainda somos dignos de uma visita da trupe mais abençoada do planeta? O Meco muda de sexo, tornando-se assim a Meca do indie (ou o que lhe quiserem chamar) nos dias 14, 15 e 16 de Julho - marquem na agenda, vão ser os três mais bonitos dia do ano.

Spoon também "Blogothecam"

2011-02-01T19:44:00.002Z

Depois dos Iron & Wine é a vez dos Spoon também começarem o ano a "Blogothecar". A banda usa discos de um estabelecimento repleto de fonógrafos e discos de vinil para marcar o ritmo de "The Ghost of You Lingers"/"Got Nuffin". Já em "Black Like Me", a banda de Britt Daniel limita-se a tocar num restaurante.

Spoon | The ghost of you lingers / Got Nuffin | A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

Spoon | Black Like Me | A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

Segundo dos Fleet Foxes já tem data

2011-02-01T19:27:00.006Z

Maio, 3 de Maio. Decorem. É uma data. A de edição do novo dos Fleet Foxes. É especial, portanto. Chama-se Helplessness Blues. Entretanto, deliciamos-nos com novo material. A canção homónima, claro, não desilude. Também os Kills têm nova canção - "Satellite" anda longe da sonoridade do último Midnight Boom (grande disco). Blood Pressures é o quarto álbum da dupla formada por Alison Mosshart e Jamie Hince. Edição marcada para 5 de Abril. Isto, meus caros, é 2011 a marcar posição.

Fleet Foxes - Helplessness Blues by subpop

The Kills - Satellite by DominoRecordCo

The Go! Team: novo álbum já pode ser ouvido (legalmente)

2011-01-27T03:35:00.003Z

É um dos mais esperados lançamentos deste primeiro trimestre de 2011 e está já disponível para audição em stream. Rolling Blackouts conta com a participação de Beth Cosentino dos Best Coast e Sartomi Matsuzaki dos Deerhoof.

Iron & Wine gravam para a Blogoteque

2011-01-25T03:19:00.002Z

Não é aquilo que poderia ter sido, mas é bom o suficiente para o mencionarmos aqui. Os Iron & Wine gravaram para a famosa Blogotèque, o melhor site de actuações improváveis do mundo e que agora tem uma espécie de versão à portuguesa: A música portuguesa a gostar de si própria. Tocaram "Tree By the River", óptima canção do novo disco, editado hoje:

Iron and Wine | Tree by the river | A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

O tipo de cabelo desgrenhado dos Horrors tem um novo projecto

2011-01-25T03:10:00.002Z

O tipo de cabelo desgrenhado é o tipo que dá voz aos mui góticos The Horrors. Cat's Eyes é o nome do projecto que conta com a colaboração de Rachell Zeffira, um multi-instrumentista canadiano, e, como se pode constactar no vídeo em baixo - gravado na Basilica de São Pedro, no Vaticano, com coro e orgão e tudo -, soa bem melhor que qualquer coisa que os britânicos já tenham feito. O projecto oferece ainda para download gratuito no site oficial, uma primeira amostra de nome "Not a Friend". O primeiro ep, Broken Glass, é editado no próximo dia 28 de Fevereiro.

[Reportagem] Offbeatz # 21 - 19 de Janeiro - Musicbox

2011-01-21T00:57:00.003Z

Um Musicbox bem mais cheio que aquilo que é normal à quarta-feira. Noiserv (na foto), tal como B Fachada (curiosamente, ambos editaram pela Merzbau), é um fenómeno que arrasta multidões - não grandes multidões, mas multidões. Multidões de atentos, mas não curiosos - depois da actuação do músico de Lisboa, muitos foram os que abandonaram a sala e perderam a actuação dos Sick Strippers.

Quando Noiserv sobe ao palco parece que temos uma banda no mesmo ou, pelo menos, uma vasta parafernália capaz de simular vários instrumentos em simultâneo. Mas o que temos é um músico, David Santos, que se limita a tocar tudo aquilo que ouvimos em palco e que usa vários sons do dia-a-dia. Entre menções na Pitchfork e outros louvores cá do burgo, Noiserv é dono de um incontestável talento. Nota baixa para o público mais afastado do palco que, para além de não ouvir, também não deixou ouvir quem, pelo menos, tentava faze-lo.

Já os Sick Strippers são quatro miúdos cheios de estilo e carisma que raramente perdem a compostura. Punk, rock e blues (alguns apontamentos slide) não foram suficientes para estabelecer uma química entre banda e público. Das três uma - ou é pose ou ainda estão muito verdes nestas andanças dos espectáculos ao vivo ou quatro canções não são suficientes para os avaliar em palco.

Myspace Noiserv

Myspace Sick Strippers

Novas de R.E.M., Mountain Goats e... Best Coast

2011-01-21T00:28:00.007Z

A grande notícia aqui é o regresso dos Mountain Goats já que R.E.M. e Best Coast nos têm mantido entretidos nas últimas semanas com novo material. Assim, a band folk norte-americana oferece "Damn These Vampires", primeiro avanço para All Eternals Deck, que tem edição marcada para dia 29 de Março. Já os R.E.M. mostram aquela que é já a quarta canção conhecida daquele que é o 15º álbum de estúdio da banda de Michael Stipe - "Mine Smell Like Honey" confirma: parece que a aura rock n' roll (como nos primeiros tempos) é para continuar com Collapse Into Now, que tem edição prevista para 8 de Março. Por fim, os Best Coast. Mais uma canção, Sunny Adventure", que, claro, soa a Best Coast.

Moutain Goats

R.E.M.

Sunny Adventure by bestcoastt

É um gaja? Não, é apenas Ariel Pink no Jimmy Fallon

2011-01-21T00:20:00.002Z

Estreia de Ariel Pink na televisão norte-americana com o típico look exuberante de Pink - o homem não está na moda, o homem é a moda. A canção escolhida foi "Round and Round", uma das melhores (a melhor?) canções do ano da graça de 2010.

Cartaz do Coachella revelado - sim, temos uma reunião

2011-01-20T03:44:00.004Z

Sempre impressionante, o cartaz do Coachella, para além de ressuscitar quase todos os anos uma banda que deixou muitas (ou poucas, depende do país, região ou continente) saudades, é uma óptima montra, em que podemos ver tudo o que está a acontecer na música popular de hoje. Nos cabeças de cartaz encontram-se uns previsíveis Arcade Fire e Kanye West - é desta que ninguém o cala. Uns pouco previsíveis Strokes e os Kings of Leon que fazem este ano aquilo que os Muse fizeram em 2010 - a aclamação enquanto banda de estádio. Calhou em sorte aos Death From Above 1979 ressuscitar nesta edição 2011 que conta ainda com Black Keys, Robyn, Interpol, Sleigh Bells, Ariel Pink, Morning Benders, Bright Eyes, Animal Collective, Kills, Broken Social Scene, Nas & Damian Marley, The New Pornographers, The Pains of Being Pure at Heart, Cage the Elephant, Jenny and Johnny, Elbow, The National, PJ Harvey, Best Coast, Health, Twin Shadow e muito mais. Ufa!

[Crítica] Cage The Elephant - Thank You, Happy Birthday!

2011-01-19T01:29:00.004Z

Estamos a meio de Janeiro e a causa indie não se pode queixar - um bom segundo disco destes Cage The Elephant e uns tais Vaccines a fazer declarações ambiciosas na capa da mais antiga publicação britânica e maior fábrica de hypes falhados que este mundo já viu. No caso dos Cage the Elephant, o segundo disco nunca foi difícil, porque as expectativas nunca estiveram demasiado elevadas. Os Vaccines a ver vamos - ainda não ouvimos a muito antecipada (por quem?) estreia.

Thank You, Happy Birthday soa a paródia da banda sobre si mesma. Os Cage The Elephant, eles que com a homónima estreia escalaram topes, agora cospem discaradamente em cima dos "Indy Kidz", canção que poderia ter resultado de um desvario de Kurt Cobain. Os Cage the Elephant são indie(s) com atitude punk e por isso acham-se donos de uma razão suficiente para lançar farpas em várias as direcções. E assim não conseguimos compreender "Rught Before Your Eyes", faixa que cai nos cânones indie (seja lá o que isso fôr) e é certo que quando mais disciplinados, os Cage the Elephant não conseguem entusiasmar. É quando citam os Pixies (os urros à Black Francis estão lá) e os Nirvana (o mesmo que escrevemos para os Pixies) que soam melhor. Em "Flow" caem na tentação de brincar às bandas ocidentais com influências africanas e em "Around My Head" lembram os Wezzer do início de carreira.

Ainda que a banda faça tudo para se afastar desses vendidos cheios de pose que povoam a indústria (a paródia de "Sell Yourself" é evidente), os topes não lhes devem escapar novamente. Por agora, achamos piada aos Cage the Elephant. O futuro logo se vê.

7/10

Best Coast mostram vídeo, The Vines nova canção

2011-01-19T01:21:00.003Z

Enquanto Beth Cosentino não nos deixar ter saudades dos seus Best Coast - uma impressionante capacidade de auto-promoção -, os Vines deixaram-nos sentir a sua falta. Agora temos direito a nova canção, "Gimme Love", que leva pouco mais de minuto e meio a mostrar-nos que os Vines estão na mesma. Aguardemos mais qualquer coisa - o novo álbum chega já no dia 7 de Fevereiro e chama-se Future Primitive. Já os Best Coast volta à carga - novo vídeo, desta vez para "Crazy For You", um dos melhores momento do disco com o mesmo nome.

Best Coast - "Crazy For You"

The Vines: "Gimme Love"

Mais uma dos Wavves

2011-01-18T00:22:00.001Z

Depois de "Stained Glass (Won't You Let me Into Yr Heart)", os Wavves de Nathan Williams oferecem uma nova canção, "Mutant". É bem melhor que a anterior amostra e faz também parte do ep Summer is Forever, a colecção de canções partilhada pelos Wavves e Best Coast.

Preparem esses pulsos: os os Glasvegas estão de volta

2011-01-17T23:57:00.002Z

Autores de um dos mais marcantes discos de 2008, os Glasvegas regressam agora, dois anos e um ep de Natal falhado depois com "The World is Yours", canção que vai estar incluída em EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\, o segundo álbum que tem data de edição marcada para 4 de Abril. Se apenas contasse esta canção, diríamos que os Glasvegas teriam passado o teste do segundo disco com distinção. Já não é mau.

Rapidinhas:

2011-01-15T18:33:00.005Z

Kings of Leon - Come Around Soundown: Os Kings of Leon já foram indie(s) cheios de coolness, mas não é por aí que serão lembrados pelas massas. Only by the Night tornou-os grandes demais para continuarem a ser protegidos pela facção mais alternativa e transformou-os num alvo fácil. De resto, a banda dos irmãos Followill pôs-se a jeito - depois de ter considerado "Sex on Fire" - a canção que os agigantou - "um pedaço de bosta", a banda do Tennesse aproveita as chatas comparações com os U2 para, entre coros gospel e outros adornos avulsos, abraçar as massas com este Come Around Sundown. Os Kings of Leon fazem lembrar um reality show - quanto mais baixo vão, mais audiência têm.

3/10

The Radio Dept - Clingign to a Scheme (na foto): A capa do terceiro disco dos Radio Dept, Clinging to a Scheme, à primeira vista, parece mostrar um Neil Young de outros tempos. Se nos deixarmos de concentrar na capa, chegamos à conclusão de que os Radio Dept não andam aqui a enganar ninguém - logo à segunda canção (e que senhora canção), "Heaven's on Fire", "samplam" Thurston Moore a apelar à destruição do "falso processo capitalista que está a destruir a cultura juvenil". Não andam a enganar ninguém porque, para além das suaves referências aos Sonic Youth de Moore, há shoegaze e uma ou outra referência ao Bronx - "David" podia ser do mestre Jay-Z e produzida por Dr. Dre. Puro e onírico, Clinging to a Scheme acaba por saber a pouco fruto dos efémeros 34 minutos que o compõem.

6/10

Alter Bridge - AB III: Depois de Blackbird, o melhor disco dos quatro que compõe esta super-banda - neste caso, o conceito acaba por ser algo discutível - os Alter Bridge fazem das premissas para este AB III - piscar de olho aos Led Zeppelin? - as mesmas do seu antecessor: melodias orelhudas, solos compridos e riffs "catchy" num disco que quer ser épico - baladuchas chatas que só ocupam espaço -, mas que acaba por resultar num redondo falhanço que, como em tudo, muitos poderão abraçar.

3/10

[Escuta] Soundcheck 04

2011-01-15T17:32:00.004Z

Soundcheck #4. Esta semana com Balla, Japanther e Legendary Tigerman.

Soundcheck #4 by Pedro Arnaut

Soundcheck #4:

Balla - Montra

Japanther - Radical Businessman

Japanther - Um Like Your Smile is

The Legendary Tigerman - Lonesome Town

Balla - Equilíbrio

The Legendary Tigerman - Light me up Twice

Atenção: Os Wolf Parade não acabaram - aqui está a prova:

2011-01-15T03:52:00.002Z

Já se disse muito disparate acerca do hiato indefinido em que os Wolf Parade se encontram - esta semana disse-se que tinham acabado definitivamente. Mentira. E aqui estão eles, há coisa de dois/três meses, a mostrar no Q, um programa de rádio canadiano - não a revista -, duas canções do último e simpático Expo 86. Há também um entrevista, mas, como a Pitchfork diz e muito bem, não tocam no assunto "hiato".

Quão simpáticos são os Mister Heavenly?

2011-01-15T03:35:00.009Z

Mister Heavenly, a superbanda de Honus Hunos (Man Man), Nick Thorburn (Islands), Joe Plummer (Modest Mouse) e Michael Cera (superactor (no que a mediatização diz respeito)) estão a oferecer duas canções, "Pineapple Girl" e "Mister Heavenly" - esta última é bem simpática. Em troca? O habitual e-mail, para vos encherem as caixas de novidades. Quão simpáticos?

Boas novas de Best Coast e Killer Mike

2011-01-14T02:18:00.004Z

Dos Best Coast já nos habituámos a ter notícias com regularidade. Depois da colaboração com os The Go! Team e da canção com Kid Cudi e Rostam Batmanglij para a Converse, Beth Cosentino mostra "When You Wake up", tema a incluir no 7" com os Wavves do namorado Nathan Williams. Regresso também de Killer Mike com uma fantástica "Burn".

Best Coast - "When You Wake Up" by Some Kind of Awesome

[Reportagem] Offbeatz # 20 - 12 de Janeiro - Musicbox

2011-01-13T18:46:00.007Z

O Offbeatz monta acampamento no Musicbox todas as Quartas. São apresentados dois vídeos e são também duas as bandas que tomam de assalto o palco da sala lisboeta. Esta semana, Klepth e Terrakota apresentaram os vídeos, mas foram as Bellenden Ker e os Utter que animaram verdadeiramente as hostes. Ambas cantam em inglês e vão buscar inspiração ao passado.

Primeiro as meninas - quatro, com aparência de bonecas e descendentes directas das riot-grrrl que no final de década de 80 e inícios da de 90 reclamavam os seus direitos em explosivas actuações ao vivo. Punk-rock cru, composto por meia-dúzia (ok, metade) de acordes. Não sabem cantar, mas orgulham-se nisso e incitam o público: "Esta é para partir tudo". No final, o público premeia a revolução - "mais uma" grita-se no Musicbox. Mais uma, pois então.

Da mesma Braga que os Peixe:Avião chegam-nos os Utter, um quinteto que se apresenta no myspace: "A nossa música é inspirada no espaço e na viagem (...) ouvindo a nossa música, queremos que as pessoas sejam puxadas para um espaço imaginário onde tudo é controlado pelo natural equilíbrio do Universo". Na prática, os Utter lembram-nos os Band of Horses e os Sigur Rós em "Into the Light", os Radiohead (mais experimentais) em "The Walking Dead" e os Pink Floyd numa muito épica (com um solo muito Gilmour lá dentro) canção que ficámos sem conhecer o título. Um som progressivo, canções que crescem até tornarem-se épicas, um rock emocional sem suar a emo-treta. Mostraram aos Klepht como se faz.

Myspace Bellenden Ker

Myspace Utter

Cage the Elephant editam novo disco e festejam no Letterman

2011-01-13T03:28:00.003Z

Festejar é mesmo a palavra-chave, uma vez que o próprio disco se intitula Thank You, Happy Birthday. A actuação é acima da média e, a avaliar pelo single de apresentação, "Shake Me Down", o álbum promete. Estamos atentos.

Não, já não são apenas quatro Gorillaz

2011-01-12T01:46:00.003Z

Alguma vez passou pela cabeça do leitor que um dos Gorillaz - seja 2D, Murdoc, Noodle ou Russel - seria demasiado estranho para ser levado a sério? Pense duas vezes. A banda virtual tem um novo elemento - chama-se Evangelist e é, sem dúvida, o mais bizarro elemento de toda a bonecada pensada por Albarn e companhia. Depois de ter desafiado os fãs a ajudar na criação deste novo personagem, o projecto disponibiliza, no site oficial, uma breve descrição: "Evangelist é o oposto do Boogieman; a luz da sua escura sombra". Seja lá o que isso for, os Gorillaz deixaram de ser quatro e passaram a ser cinco - mas não iam acabar pela "xisésima" vez?

Kanye e Jay-Z partem a loiça toda: eis a primeira amostra

2011-01-12T01:00:00.005Z

Salivamos desde 2010 e babamos-nos ridiculamente em 2011. A culpa é dos dois nomes maiores do hip hop de hoje, Kanye West e Jay-Z. "Olha que dois" pensámos nós há uns meses atrás. "O que é isto?" perguntamos agora, que acabámos de ouvir a obra-prima que é "H.A.M.", o primeiro single do álbum que deverá estar nas lojas nos próximos meses. Depois de "Monster", a canção incluida em My Dark Twisted Fantasy, o último e endeusado disco de Kanye West, já restam poucas dúvidas: West vai marcar 2011, assim como marcou 2010. Vénia.

Sims (Of Doomtree) tem nova canção (de protesto?)

2011-01-11T01:56:00.003Z

Bad Time Zoo, o sucessor do aclamado Lights Out Paris, tem edição marcada para 15 de Fevereiro, mas já vai gerando expectativa. Depois do vídeo de "Burn it Down" - para ver aqui em baixo -, Sims mostra "One Dimensional Man" - pode ser ouvida aqui. Sims já fez saber que as influências vão de Wu-Tang Clan a Bob Dylan - a canção de protesto?

Mais três novas canções de PJ Harvey

2011-01-11T01:09:00.002Z

Vão caindo a conta-gotas as novas canções de Miss PJ Harvey. Depois da bela "Written On The Forehead" e da não menos bonita "The Last Living Rose" - com direito a vídeo -, Polly Jean mostra "Bitter Branches", "Hanging in the Wire" e "The Glorious Land". Estas últimas podem ser ouvidas apenas aqui.

Written On The Forehead by pjharvey

Concerto dos Radiohead pelo Haiti disponibilizado um ano depois

2011-01-11T00:15:00.002Z

Faz quase um ano que os Radiohead organizaram um concerto de beneficiência, depois da catástrofe no Haiti. Agora, graças à Internet e ao Youtube - passe a redundância - todos nós, comuns mortais, temos direito às mais de duas horas de concerto (filmadas por fãs ou não) da banda de Thom Yorke - esses cinco que não apenas comuns mortais. Podem ainda fazer o download aqui e ainda podem fazer um donativo aqui. Notícias dos Radiohead em Janeiro? Isto promete.

[Vídeo] The Black Keys no Saturday Night Live

2011-01-10T01:45:00.003Z

Os Black Keys - na companhia de mais dois músicos - rockaram no Saturday Night Live. Autor do melhor disco rock n' roll dos últimos muitos anos, o duo apresentou "Howlin' For You" e "Tighten Up", dois clássicos instantâneos. É urgente suarmos ao som deste rock sexy, demoníaco, clássico. Portugal com eles!

O prometido é devido: O regresso em vídeo dos Iron & Wine

2011-01-09T00:39:00.004Z

Há dois dias prometemos: os Iron & Wine gravaram o espectáculo de apresentação de Kiss Each Other Clean - edição marcada para 25 de Janeiro - e logo que possível, disponibilizaríamos aqui o vídeo ou, no caso, o link para o mesmo. Está tudo no NPR Music, é só seguir o link. Em baixo, também é possível ver o vídeo da actuação no Late Night With Jimmy Fallon. Dos Iron & Wine já não esperamos grandes revoluções - apenas um dos melhores discos folk do ano, recheado de belas harmonias e uma delicada secção de sopros - tudo isso está garantido. Estamos bem.

[Escuta] Soundcheck 03

2011-01-08T18:10:00.006Z

Soundcheck # 3, o primeiro de 2011, numa altura em que os espectáculos ainda escasseiam, um especial dedicado aos melhores concertos de 2010.

Soundcheck # 3 by Pedro Arnaut

Soundcheck #3:

Janelle Monáe Feat. Of Montreal - Make the Bus

Prince - When Doves Cry

Faith No More - Land of Sunshine

Black Rebel Motorcycle Club - Berlin

Flaming Lips -The Sparrow Looks up the Machine

The National - Conversation 16

Wavves - Green Eyes

Abram alas: Os Iron & Wine regressaram

2011-01-06T01:28:00.003Z

Aconteceu ontem e não fomos a tempo de o comunicar devidamente na Unidade. Os Iron & Wine anunciaram um espectáculo de apresentação do novo álbum na rádio nova-iorquina WNYC. À hora a que este post é publicado, a mesma rádio e o NPR Music estão a transmitir o concerto via webcast, em directo. Neste espectáculo os norte-americanos apresentaram Kiss Each Other Clean, o novo álbum a ser editado no próximo dia 25 de Janeiro – e tão perto que estamos! Mas a coisa não se fica por aqui e desta vez vamos a tempo de o comunicar: Os Iron & Wire actuam hoje, dia 6 de Janeiro no Late Night With Jimmy Fallon. Contem com o vídeo, amanhã.

Entretanto, nas últimas semanas, a banda disponibilizou duas óptimas canções para audição gratuita:

[Entrevista] "Birds on the Wire" - O Vídeo brasileiro finalista do Youtubeplay 2010

2011-01-05T03:46:00.006Z

Um conjunto de acasos deu origem a um dos maiores fenómenos do ano da graça de 2010. Paulo Pinto tirou a fotografia, Jarbas Agnelli viu-a e tocou-a. A fotografia deu origem a um vídeo e o vídeo a um fenómeno. “Birds on the Wire”, uns tocantes 85 segundos, é finalista do YoutubePlay.

Numa altura em que o mundo gira cada vez mais rápido – até a mãe natureza (leia-se terramotos, entre outras catástrofes naturais) já trata de encurtar os dias -, torna-se imperativo que a mente humana crie filtros que lhe permitam acompanhar a velocidade de um mundo cada vez maior. O YoutubePlay é um desses filtros – entre milhares de vídeos, sobram, neste momento, os 25 finalistas. 25 porquê? Porque é um número que ainda nos permite dar conta do recado. Somos capazes de ver 25 vídeos, mas, a não ser que dediquemos um bom tempo a esta causa, somos incapazes de ver 100 e perturba-nos pensar em 50. Os critérios do Youtube Play são simples: género, tecnologia, currículo (tradução livre de “background”) e orçamento. Entre os 25 vídeos finalistas destaque-se a presença dos sul-africanos Die Antwoord – a coisa mais chocante via África do Sul, desde que França e Itália foram eliminadas logo na primeira fase do último Campeonato do Mundo – e o vídeo intitulado “Birds on the Wire”, o foco desta entrevista com Paulo Pinto, o responsável brasileiro pela fotografia desta montagem. Jarbas Agnelli – músico e publicitário - é responsável pela música e a outra metade da equação.

Primeiras questões: De quem foi a ideia para o vídeo? Como surgiu? “A ideia do vídeo foi do Jarbas [Agnelli], ele se impressionou com a repercussão da matéria que o jornal fez a respeito da sua criação musical, a partir da foto”. A foto a que Paulo Pinto se refere, foi publicada no O Estado de São Paulo, no dia 27 de Agosto de 2009. A sinopse é, aliás, feita pelo próprio Jarbas Agnelli: “Lendo o jornal de manhã me deparei com uma foto de pássaros nos fios. Recortei a foto e decidi compor uma música, usando a exacta posição dos pássaros como notas.” Depois de se deixar surpreender com a foto, Agnelli investiu no contacto. Já se conheciam? “Não conhecia o Jarbas”, afirma Pinto. E acrescenta: “O nosso primeiro contacto foi por telefone e fomo-nos conhecer pessoalmente na redacção do Estadão, na qual demos uma entrevista para a TV Estado – pode ser vista aqui (Link em baixo).

É uma fotografia bela e inspiradora, mas que poderia ter sido tirada em qualquer lugar. Pinto explica onde e como a tirou: “Durante minhas férias em Santana do Livramento. Após um almoço na casa de meus pais, vi uns pássaros em uma árvore com galhos secos e céu azul. A cena era muito Linda. A minha mãe observando eu [a] fotografar esses pássaros, comentou que um vizinho todo o dia dava de comer aos passarinhos na frente de sua casa. Aceitei a ideia e fomos até ao vizinho”. Mas a ideia original do fotógrafo não coincidiu com o resultado final: “A minha ideia era fotografar ele [o vizinho] dando de comer aos passarinhos, imaginava aquele bando de pássaros comendo na sua mão. Ao chegar ao local, mudei de ideia ao ver os passarinhos que esperavam comida, pousados nos fios eléctricos. Aquela imagem, no meu primeiro ponto de vista, me remeteu a uma partitura musical, já que eram cinco fios, igual a uma pauta. Mesmo em férias passei a foto para o jornal como sugestão para a [secção] “Cenas da Cidade”. Falei com o editor Armando Fávaro e ele gostou da foto, publicando-a dias depois.”

Fotografia e Música são duas formas de arte muito íntimas. Perguntámos a Paulo Pinto, qual a sua relação com a música. “Gosto muito de música clássica, especialmente óperas. Actualmente toco saxofone e como consequência aprendendo a ler partituras”. Recentemente, Lou Reed esteve em Portugal e, numa palestra no Estoril Film Festival, referiu que “Fotografar é o mesmo que fazer música”. O fotógrafo comenta a afirmação do ex-músico dos Velvet Underground: “Concordo plenamente e ainda acrescento [com] o que diz o artista da vanguarda russa, Wassily Kandinsky: «As cores são as chaves, os olhos o machado, a alma é o piano com cordas. Se a imagem tivessem música, qual seria?»” Questionado relativamente às expectativas que o duo teria antes do vídeo se tornar no fenómeno que é hoje, Paulo Pinto confessa: “não esperava que o vídeo se tornasse no fenómeno que é hoje”. E relativamente a expectativas profissionais, abrem-se novas portas? “Profissionalmente falando não vejo por esse ângulo, já que o meu forte é o fotojornalismo, mas admito que os contactos aumentaram”.

“Birds on the Wire” já foi visto por mais de um milhão de pessoas. É, na nossa opinião, o mais brilhante dos 25 vídeos - pode ser visto – assim como os restantes 24 - e votado aqui

Artigo originalmente publicado em Ruadebaixo.com

Beth Cosentino (já não) procura namorado no Jimmy Fallon

2011-01-05T01:44:00.008Z

Autores de um dos melhores discos do ano que agora acabou, os Best Coast fizeram a sua estreia televisiva no Late Night With Jimmy Fallon. Sem os coros a fazer lembrar as girl-groups e sem aquela aura lo-fi que caracteriza o registo em estúdio, "Boyfriend", ao vivo, soa mais crua, mas igualmente bonita. E Beth Cosentino encosta qualquer Katy Perry da vida a um canto, mas já não procura namorado. É pena.

Cadáveres, corpos decapitados e outras monstruosidades no novo vídeo de Kanye West

2011-01-03T23:25:00.004Z

É o primeiro grande vídeo de 2011 e parece estar aberto a variadas interpretações. Em última análise, o vídeo de "Monster" - que conta com a participação de Jay-Z, Rick Ross e Nicki Minaj - é Kanye West a pentear (mais uma vez) o ego. Seja o que for, é um grande vídeo.

Discos do Ano - 1º: Janelle Monáe - ArchAndroid

2010-12-30T19:28:00.003Z

Agora que as oportunistas (Duffy, Adele e afins) desapareceram tão rápido como apareceram, agora que a soul já não é uma moda capaz de encher estádios e Amy Winehouse já não aparece todo o santo dia nos tablóides britânicos, agora, meus caros, é a altura certa para Janelle Monáe se mostrar. Arch Android vai a todas - tal é fácil notar logo à segunda canção (a primeira é a intro), "Dance or Die": spoken word do grande Saul Williams, baixo pulsante, Monáe a esgrimir rimas pedidas de emprestado ao hip hop e um caos sónico que culmina num solo ácido. Já ganhámos o dia, mas há mais. Há jazz, funk, r&b, soul (muita soul) e rock psicadélico. Monáe quis fazê-lo em grande e foi isso mesmo que fez. Na primeira metade é uma artista em estado de graça, um conjunto de canções pop perfeitas. A segunda metade é um objecto estranho, menos entusiasmante, mas nem por isso menos bom. É como se a primeira metade fosse uma explicação teórica, mas positiva desse Mundo que é referenciado algures em 3005 (!), e a segunda metade fosse a explicação prática. Um "Ok! Isto não é assim tão bom, pelo contrário, é terrivel e não há grande volta a dar”.

2010: O ano em que mundo (da música) se voltou a unir por uma causa

2010-12-29T19:16:00.004Z

Dia 12 de Janeiro de 2010, um sismo e duas réplicas violentíssimas no Haiti. Um mundo (da música) predisposto a ajudar, chegou-se afrente.

Os Arcade Fire - que, se bem se lembram, em Funeral incluiram, precisamente, uma canção chamada "Haiti" - venderam os direitos de "Wake Up" - canção maior que a vida e, ironicamente, diriamos, capaz de provocar um sismo ou, pelo menos, uma réplica - para uma campanha publicitária do Super Bowl, o maior evento de futebol americano.

Shane MacGowan (The Pogues), Nick Cave & Johnny Depp gravaram uma canção de beneficência:

Kanye West, Kid Cudi, Snoop Dogg, Lil Wayne, Brian Wilson e uma armada de artistas menores gravaram um remake de "We Are The World":

Discos do Ano - 2º: Sleigh Bells - Treats

2010-12-29T17:45:00.004Z

Um grito adolescente, viciante, violento, entusiasmante, brutal. Guitarra com riffs pesadões e efeitos vários, muita distorção, sintetizadores e beats que muito devem ao hip hop. Um sample dos Funkadelic em "Rill, Rill", o fantasma dos Kills do último e óptimo Midnight Boom na também óptima "Infinity Guitars", M.I.A. - madrinha e confessa admiradora do duo - na voz de Krauss, que, não, não canta grande coisa. Há também algo de Yeah Yeah Yeahs e dos extintos Be Your Own Pet – canções curtas, atitude punk. Derek Miller e Alexis Krauss touxeram influências dos seus dos mundos anteriores. Juntaram-lhes alguma synth-pop e algumas influências hip hop. São um dos acontecimentos do ano - quiçá da década.

2010: O ano em que Europa saiu à rua (à excepção de Portugal)

2010-12-28T19:27:00.005Z

Num ano em que a crise atingiu-nos a todos como poucas vezes antes, em que o Programa Estabilidade e Crescimento proporcionou cortes orçamentais violentíssimos cá no burgo, num ano em que os combustíveis atingiram valores nunca antes vistos e num 2010 de pouca estabilidade política, a Europa saiu à rua. Depois da Grécia, Roménia, Inglaterra e França seguiram-se como exemplos. Portugal é quase uma excepção. Estas canções vão lembrar-nos 2010 como o ano em que a Europa saiu à rua:

Discos do Ano - 3º: The National - High Violet

2010-12-28T18:37:00.001Z

Há qualquer coisa nos chamados "mais esperados do ano" que, normalmente, os torna menores do que aquilo que antecipávamos. Se no cinema nem sempre os "mais esperados" são-no pelas melhores razões, na música a expectativa aumenta quanto melhor for o clássico (ou clássicos) que ficou lá atrás. Os "mais esperados (ou antecipados) ”, referíamos, raramente cumprem as expectativas - precisamente porque estas estão lá em cima, bem altas e a banda num pedestal inalcançável. É por isso que High Violet é especial: vence inapelavelmente o jogo das expectativas (altas, muito altas). O quinto disco dos norte-americanos é uma pequena maravilha - sim, é superior a Boxer, por mais incrível que Boxer seja (e é). Mas atenção: as principais premissas mantém-se. Aliás, os National não tinham muito que escolher, restava-lhes voltar a fazer mais um conjunto de canções perfeitas - com "Terrible Love", "Anyone's Ghost", "Afraid of Everyone", "Bloodbuzz Ohio" e "Conversation 16" - tudo grandes, grandes, enormes canções - à cabeça. O quinteto de Brooklyn volta a dar uma enorme preponderância à bateria e, desta feita, há Nick Cave na voz de Matt Berlinger para além dos já conhecidos tiques à Stuart Stapples (Tindersticks) e Ian Curtis. Os National chamaram Sufjan Stevens à equação, mas nem era necessário. Mesmo sem o autor de Illinois, o álbum continuaria a roçar a perfeição.

DIscos do Ano - 4º: Kanye West - My Beautiful Dark Twisted Fantasy

2010-12-27T20:45:00.000Z

Depois do pequeno passo atrás que foi 808 and Heartbreak, West regressa com o verdadeiro successor de Graduation, a obra-prima de 2007. E, para tal, convocou uma armada de convidados encabeçada por Jay Z e RZA, mas que conta também cm Nicki Minaj, Rick Ross, Kid Cudi e um surpreendente Bon Iver. My Beautiful Dark Twisted Fantasy é Kanye em grande forma. É Kanye a denunciar o quão diabólicas podem ser as tecnologias: “Hey teacher, teacher / Tell me how do you responde to students / And Refresh the page and restart the memory?”. É Kanye a trabalhar um sample fabuloso de Mike Oldfield e a agigantar-se num outro dos King Crimson. É Kanye a dar mais uma prova de que o seu ego e ambição não têm limites: «I’m living in that 21st century doing something to it / Do it better then anybody ever seen do it”. É Kanye em estado de graça a espalhar confiança: “More Specifically they can kiss my ass hole / I’m an asshole? You niggas got jokes”. E é Kanye a dar-nos clássicos instantâneos como “Dark Fantasy”, “Power”, “Monster” e “Runaway”. Kanye’s the Best.

Discos do Ano - 5º: Deerhunter - Halcyon Digest

2010-12-26T21:14:00.003Z

Acreditem no ‘hype’, Halcyon Digest é um dos discos que nos fará recordar 2010 com um sorriso nos lábios. Logo à segunda canção, “Don’t Cry” – sim, tem nome de clássico -, Bradford Cox, o mentor do projecto, canta: «C’mon little boy / you don’t need to cry / You don’t need to cry your eyes out». Rapazes, não vale a pena chorar, porque afinal de contas, os Deerhunter existem e isso é tudo o que importa neste momento. O sucessor do muito elogiado Mircocastel/Weird Era Cont lembra-nos, em “Desire Lines”, as harmonias criadas pelas 'girls groups' da década de 50 e nas canções mais curtas trazem-nos à memória os Guided By Voices, na medida em que cada canção soa a manta de retalhos, transformada em grande canção pelas grandiosas mãos de Cox.

O novo vídeo dos PAUS é tudo aquilo que imaginávamos

2010-12-25T19:14:00.003Z

A canção é "Lupiter Deacon" e o vídeo que lhe dá imagem é tudo aquilo que imaginávamos que fosse: imagens avulsas que incluem pastelaria variada, imagens de Lisboa e personagens de maquilhagem medonha. É uma água é um dos melhores discos nacionais de 2010 e só não entra nas contas do balanço anual porque é um ep.

Discos do Ano - 6º: Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today

2010-12-25T14:44:00.002Z

Ariel Pink e os seus Haunted Graffiti recauchutaram memórias várias de infância - esse novo género a que chamam chillwave é isso mesmo -, memórias do tempo em que a rádio era companheira ideal de vários inadaptados espalhados pelos quatro cantos do Mundo, no tempo da k7, no tempo da baixa fidelidade, um tempo que nos parece agora menos longinquo. Before Today abraça a imperfeição, junta harmonias e falsetos, imita jingles publicitários e cita os Queen, Prince, Michael Jackson, o funk e o glam-rock.

Discos do Ano - 7º: Arcade Fire - The Suburbs

2010-12-24T14:50:00.002Z

The Suburbs é o mais ambicioso trabalho dos Arcade Fire. É um ambiciosíssimo álbum conceptual sobre os subúrbios, claro está, e as personagens (imaginadas ou não pela banda) que lá moram. Tem 16 canções e ultrapassa os 60 minutos de duração. Fazer tudo isto sem cansar o ouvinte é obra. É um disco fabuloso, menos imediato que Neon Bible, pelo que exige várias audições. É épico, sem soar pretensioso, maior que a vida em algumas canções ("Half Light I" e "Sprawl I (Flatland)") e não se coíbe a pôr a mão na ferida em outras ( a belíssima "City With No Children"). Nas grandes novidades destacam-se alguns apontamentos electrónicos ("Sprawl II (Mountains Beyond)", é o exemplo mais descarado). Sejamos realistas - dificilmente estes canadianos vão gravar um mau disco. The Suburbs é o terceiro tiro certeiro em outras tantas tentativas e a melhor banda da última década vai continuar a sê-lo nesta. Agora, já sem grandes surpresas.

Strokes e Portishead no Super Bock Super Rock

2010-12-23T19:08:00.003Z

O Super Bock Super Rock entrou a matar e anunciou dois nomes grandes, bem grandes para o Super Bock Super Rock. A Unidade sabe que estão em cima da mesa outros nomes cheios de coisas interessantes para mostrar. Aguardemos por 2011, com ansiedade.

Os Strokes aka a melhor banda de rock da década dos zeros e os Portishead são as primeiras confirmações daquele que promete ser, pelo segundo ano consecutivo, o mais estimulante festival de Verão cá do burgo. Primeiro os Strokes. Depois da conturbada actuação de Julian Casablancas na edição 2010, o vocalista regressa, mas agora acompanhado. Do disco, diz-se que já está pronto, e a edição deverá acontecer em meados de 2011, bem a tempo do concerto no Meco.

Já os Portishead regressam depois dos concertos no Coliseus em Março de 2008 – ainda na ressaca do regresso, dez anos depois de Portishead, o disco que os trouxe ao Sudoeste. A banda garante que o novo disco não vai demorar outros dez anos a sair e nós não temos porque não acreditar.

Discos do Ano - 8º: Twin Shadow - Forget

2010-12-23T15:04:00.002Z

Numa altura em que os Gayngs existem, neste tempo em que os Gayngs repescam clássicos mais ou menos pirosos, "one hit wonders" avulsos e fazem-se de pomposos romãnticos, recebemos Twin Shadow alterego de George Lewis Jr., personagem que mais parece saída de um filme de Bollywood. A estreia de Twin Shadow atira-se a sons do passado, um passado em que conseguimos filtrar influências como os Queen e David Bowie.